Der Titel der neuen History-/Fantasy-Reihe aus dem Hause Splitter bezieht sich auf den Namen des Schiffes, auf dem die Protagonisten reisen. Und allein dadurch, dass der Titel nicht auf eine Person, sondern auf ein Mittel zum Zweck verweist, gewinnt die Serie schon an reflektorischer Tiefe. So vermeidet das Autorengespann nicht nur eine Konzentration auf einen bestimmten Helden, sondern macht gleichzeitig auch deutlich, dass im Fanatsy-Genre das Ziel einer Reise immer nur der Anlass für den Aufbruch ist. Die Queste an sich ist das zentrale Element und die Reise der eigentliche erzählerische Zweck, da hier der Held anhand seiner Abenteuer reift und im Laufe der Geschehnisse diverse Archetypen trifft. Das ist nicht nur bei klassischen Sagen so, sondern auch in moderneren wie etwa in Star Wars oder, das Beispiel schlechthin, Der Herr der Ringe und Der Hobbit. Somit ist auch Aslak ganz klassisch aufgebaut, besitzt aber doch das gewisse Etwas, das es zu etwas Besonderem macht. Denn es geht in der Geschichte um das Geschichtenerzählen an sich.
Der Anlass der Reise besteht darin, einen Geschichtenerzähler aufzusuchen, um neue Geschichten zu erlernen. Im Norden Europas sind die Winter lang und der Bedarf an guten Erzählungen groß, denn die langen Winterabende wollen gefüllt werden. Leider kennt der aktuelle Barde nur eine einzige Saga und der König ist diese so leid, dass er den Minnesänger für immer zum Verstummen bringt. Dessen Söhnen stellt er ein Ultimatum: Entweder sie bringen neuen Stoff oder ihre restliche Familie muss büßen. Schon bald nach Aufbruch tritt aber entspinnt sich zwischen den Brüdern ein tödlicher Konflikt und sie liefern sich mit jeweils zusammengewürfelten Mannschaften einen Wettlauf, wer als erster etwas Neues erfährt. Mit allen Mitteln.
Der Grund für den Wettlauf ist schon etwas fadenscheinig und kann natürlich mit anderen klassischen Motiven wie dem Erretten einer Prinzessin, einer persönlichen Rache oder der Zerstörung eines machtvollen Ringes nicht mithalten. Aber es liefert schon im Vorhinein einen guten Schuss Ironie: Der König wünscht sich neue Heldensagen und die Protagonisten und arbeiten und kämpfen auf dieses Ziel hin. Und erkennen dabei nicht, dass die eigentliche Geschichte das ist, was sie gerade auf ihrer Reise erleben. So ist, wie klassisch, die Jagd besser als der Fang.
Das alles zusammen, mit dieser kleinen Verkehrung der Ausgangslage, macht den ersten Teil der Serie spannend, amüsant und kann einige (Arche-)Typen gegen den Strich bürsten. Wie etwa den Krieger, der beim Anblick von Blut immer in Ohnmacht fällt. Leider werden tiefere Charakterisierungen vermieden und jede Figur bekommt nur eine Type zugewiesen. Der schlaue junge Bruder, der tapfere Krieger, der ältere Weggefährte, die schöne Abenteurerin, etc. Immerhin gibt es bei jeder Figur auch einige unerwartete Aspekte zu entdecken: Der Weise ist alles andere als klug, das Ziel der Reise entpuppt sich als Flop, der Held hat von nichts einen blassen Schimmer, der „Bibliothekar“ schläft beim Lesen immer ein und der Weiseste der Mannschaft ist gleichzeitig der Jüngste. Die auf dem Cover zentral in Szene gesetzte Frau ist da noch die konservativste, indem sie als frühe Feministin gestaltet wird. Der sehr dynamische Strich von Emmanuel Michalak kann einen gut in das Geschehen versetzen, er benutzt aber manchmal unerklärlicherweise einige Füllpanels, die vollkommen unnütz sind und nichts zur Geschichte oder dem Setting beitragen.
Wertung: 
Auf den ersten Blick eine klassische Fantasy-Erzählung, gewinnt Aslak einige schöne Aspekte über das Geschichten-Erzählen an sich.
Aslak 1 – Das Auge der Welt
Splitter Verlag, Mai 2013
Text: Hub, Fred Weytens
Zeichnungen: Emmanuel Michalak
Übersetzung: Tanja Krämling
48 Seiten, farbig, Hardcover
Preis: 13,80 Euro
ISBN: 978-3-86869-496-3
Leseprobe
Abbildungen: © der dt. Ausgabe: Spltter Verlag
Und da waren sie nun – aber auch nicht alle, denn einige Verlage wie Schwarzer Turm, Epsilon, Delfinium Prints oder Gringo Comics waren erst gar nicht gekommen; ganz zu schweigen von Manga-Verlagen. Wüsste man nicht, dass es deutsche Manga-Verlage gibt – auf diesem Comicfestival hätte es niemand gelernt. Nachdem die erste Überraschung („Haben Sie denn ein B1-Zertifikat für dieses Banner? Brauchen Sie wegen des Brandschutzes hier.“ Danke, dass die Veranstalter vorab darauf hingewiesen hatten … Nicht. Mit derselben Vorgabe wurde auch das Lagern von brennbarem Material, ergo Comics, beanstandet …) verdaut war, kam das nächste dicke Ei: Für den Sonntag würden bis zu 120.000 FC-Bayern direkt vor dem Alten Rathaus auf dem Marienplatz erwartet, hieß es in den Zeitungen (nicht von den Veranstaltern, da kam gar kein offizielles Statement). Ergo: Die Wahrscheinlichkeit, dass sich irgendein Besucher am Sonntag zu den Indieverlagen verirrte (unter anderem waren Absperrgitter aufgestellt und zwischendurch die U-Bahn-Station Marienplatz gesperrt), war infinitesimal klein. Dazu das Problem, dass ein Abbau wegen Vollsperrung sicher nicht vor 21 Uhr hätte stattfinden können. Dies führte dazu, dass die meisten Verlage schon am Samstagabend packten und am Sonntag nur mit leichtem Handgepäck (oder wie Dani Books gar nicht mehr) vor Ort waren. Die Sorgen waren begründet, denn am Sonntag war das Alte Rathaus so gut wie leer und es kam fast nur noch zu den üblichen inzestuösen Querkäufen.
Die Gefahr spontaner Besuche von Vorbeilaufenden bestand aber ohnehin kaum, denn eine Ausschilderung war unter anderem aus Denkmalschutzgründen quasi nonexistent. Ein „Eintritt frei“-Schild und ein total ansprechender „Hey Freaks“-Aufsteller von Plem Plem Productions war alles, was bis Donnerstagmittag außerhalb des Alten Rathauses zu sehen war. Später kamen zwar zaghaft zwei Comicfestival-Plakate an den Eingangstüren hinzu; wie sich im Gespräch mit der aufhängenden Dame aber herausstellte, dürfte es gar nicht mehr Werbung sein, da das Gebäude – ebenfalls aus Brandschutzgründen – nur insgesamt 300 Personen aufnehmen könne, die vom Türsteher-Personal mitgezählt wurden. Die Dame konnte zwar zwischendurch auf 400 Personen hochhandeln, aber selbst dieses Limit sei eigentlich schon erreicht. Wenn man sich den Füllzustand des Gebäudes anschaute, musste man allerdings nicht gerade befürchten, dass sich die Leute in Panik zu Tode trampeln …
Die Veranstalter Heiner Lünstedt und Michael Kompa haben wir leider nicht im Alten Rathaus erblicken können, anscheinend hatten sie ihren Fokus auf alles andere wie das Künstlerhaus und die Ausstellungen gelegt. Stattdessen sorgte ein kleines, freundliches Team dafür, dass soweit alles lief. Hervorzuheben hierbei sind allerdings Markus Gruber (Comicradioshow) und vor allem Gerhard Schlegel von Laska Comics, selber Aussteller und Ex-Organisator des Comicfestivals in früheren Jahren. An ihn konnte man sich jederzeit wenden, obwohl er diese Hilfestellung „privat“ leistete. Ihm ist es zu verdanken, dass es überhaupt so etwas wie ein Programm im Alten Rathaus gab: Er organisierte die halbstündigen Runden auf der Bühne – unter Mitwirkung diverser Verlage wie Zwerchfell – wie zum Beispiel „Wie kann man mit Comics in Deutschland Geld verdienen?“ oder ein Interview mit den ICOM-Independentcomicpreis-Gewinnern. Worauf Gerhard keinen Einfluss hatte, war der grottenschlechte Ton. Die Bühne war im Bezug zu den fest installierten Lautsprechern an der falschen Stelle aufgebaut, so dass man kaum etwas verstehen konnte, was nicht nur für die Zuhörer, sondern auch für diejenigen, die sich auf der Bühne befanden, ein frustrierendes Erlebnis war.
Apropos ICOM-Preis: Am Freitagabend wurden nach einem halbstündigen Auftritt von FiL im Alten Rathaus die besten Independentcomics des letzten Jahres geehrt – ein an sich deutlich würdigerer Veranstaltungsort als 2011 die Glockenbachwerkstatt, die so wenig Leute fasste, dass die Hälfte der Besucher die Verleihung nur hören, aber nicht sehen konnte. Diesmal konnten sie zwar alle sehen, aber vermutlich nur die Hälfte verstehen. Wegen des Tons. Hatten wir schon. Der Hauptpreis, dotiert mit 500 Euro, ging an Sascha Wüstefeld und Ulf S. Graupner für den ersten Band ihrer knallbunten DDR-Superheldensaga 
Einmal wurde es doch mal richtig voll im Alten Rathaus: Am Freitagmorgen signierten Gilbert Shelton und Gerhard Seyfried – zwei Comicveteranen und Weggefährten von Robert Crumb, dem Ehrengast dieses Festivals – am Stand der auferstandenen U-Comix. Eine tolle Sache für Fans. Einige erwiesen ihren Helden dann direkt mal mit gefühlten 50 zu signierenden Comicbänden ihre Aufwartung, zur Freude der sich noch in der Schlange befindlichen Leute, die einfach nicht kürzer werden wollte. Hier hätte man als Verantwortlicher deutlich reagieren und die Anzahl der Comics pro Person einschränken müssen. Umsatz wurde auf alle Fälle gemacht – für eine Zeichnung reichte es nicht, den Robert-Crumb-Tributband, der zum Comicfestival erschien, erworben zu haben, sondern ein U-Comix-Heft musste im Tausch gegen 5 Euro in die eigene Tasche wandern. Dafür hielten die rüstigen Herren aber wacker durch und signierten anstatt zwei Stunden eine halbe Stunde länger. Danach war merkbar die Luft raus, und es war völlig legitim, nicht mehr jeden Wunsch zu erfüllen (konkret: Ich bekam keine Zeichnung mehr, nur eine Signatur).
Altersmäßig geschlagen wurde sie allerdings locker vom 89-jährigen Helmut Nickel, der in Gerhard Schlegels Begleitung (unter anderem kolorierte dieser den Sammelband von Peters seltsame Reisen und war für den 2011er Nickel-Tributband des Comicfestival München verantwortlich) für Signierungen und kleine Zeichnungen bereit stand.
Ehrengast Robert Crumb, laut Comicfestival München der „bedeutendste lebende Comickünstler“, wurde leider nur zweimal bei öffentlichen Veranstaltungen aktiv und blieb dadurch den Besuchern recht fern: am Mittwochabend bei einem Künstlergespräch im Jüdischen Museum und am Donnerstagabend zusammen mit Gilbert Shelton im Gespräch mit Gerhard Seyfried. Beim erstgenannten Talk saß Crumb zusammen mit seiner Ehefrau Aline Kominsky-Crumb auf der Bühne, moderiert wurde das Gespräch von Lora Fountain, der Frau von Gilbert Shelton und Agentin von Robert Crumb, die ebenso wie die Crumbs in Frankreich leben. Es entspann sich ein unterhaltsamer Abend voller Anekdoten und Erinnerungen, getragen von Crumbs oft sehr sarkastischem Humor und zusammengehalten von der entspannten Moderation von Lora Fountain, die mit dem Paar seit vielen Jahrzehnten befreundet ist [
A propos Moderation: Das Ärgerliche an der zweiten Veranstaltung war, dass Gerhard Seyfried entweder nichts davon wusste oder aber keine Lust hatte, den im Programmheft angekündigten Moderatorenjob zu übernehmen. Und so saßen die drei Herren auf der Bühne im Amerika-Haus und palaverten vor sich hin, nicht ohne dass Crumb mehrfach darauf hinwies, dass es jetzt eigentlich gut wäre und sie fertig wären – das erste Mal schon nach fünf Minuten. Dies brachte er zwar in einem spaßigen Tonfall, aber beim Verfolgen dieses launigen Dreigestirns und des stockenden Gesprächs kam ich nicht umhin zu glauben, dass er das wirklich nicht nur aus Geigel sagte. Ärgerlich in Anbetracht dessen, dass dafür zehn Euro Eintritt verlangt wurde. Zu einem Banjo-Stück in Begleitung der Band „Sons of the Desert“, die ein unterhaltsames Rahmenprogramm lieferten, ließ sich Crumb aber am Ende noch hinreißen. Insgesamt fand ich die einzelnen Anekdoten trotzdem ganz unterhaltsam – vielleicht auch, weil ich im Gegensatz zu anderen CG-Redakteuren am Mittwochabend nicht dabei sein konnte – und die Veranstaltung nicht so furchtbar wie Oliver Ristau, der für den Tagesspiegel von dieser Herrenrunde als „
Apropos PENG!-Preis für Luke Pearson: 2012 auf dem Comic-Salon in Erlangen noch Geheimtipp beim kleinen britischen Verlag Nobrow und Liebling der CG-Redaktion (wie die letztjährige begeisterte 
Es reicht nicht, wenn da nur der Name des Künstlers steht! Ich möchte wissen, aus welchem Comic die Seite stammt, in welchem Jahr sie entstand, was das für ein Comic war und warum er relevant ist. Ausstellungen sind nicht dazu da, einfach ein paar Bilder an die Wand zu hängen. Sie sollen auch Kontexte herstellen, Zusammenhänge erklären und im besten Fall soll der Betrachter beim Besuch der Ausstellung ein bisschen was lernen.
Ob bei Superman oder bei Spirou, stets bekam man nur rudimentäre Basisinformationen, nirgends war zu lesen, welche Seite man da gerade ansah. Am eklatantesten war dieser Mangel in der Ausstellung zum Gastland Italien, einem der breit beworbenen Aushängeschilder des Festivals: Hier beschränkte sich die Beschriftung tatsächlich rein auf die Namen der Künstler. Doch was nützt es, wenn unter einer gerahmten Seite der Name „Gipi“ steht, aber sonst gar nichts?
Das Cape ist keine originäre Comicerzählung von Joe Hill. Der Sohn von Stephen King verfasst zwar regelmäßig Skripte für Comics, nämlich Locke & Key, diese in einem Band abgeschlossene Geschichte ist jedoch eine Comicadaption der gleichnamigen Kurzgeschichte aus der Anthologie Black Box.
Dabei ist die Idee an sich nicht sonderlich neu: Ein Artefakt verleiht einem durchschnittlichen Menschen Superkräfte – das kommt ungefähr bei jedem zweiten Helden vor. Und auch dass die Helden zunächst ganz normale, mit Problemen belastete Menschen sind, ist nicht neu, schließlich menschelt es ja auch grundsätzlich bei den Strumpfhosenträgern (vor allem bei Marvel). Hier ist unser potenzieller Held allerdings ein ziemlicher Verlierer, ein Versager wie etwa in Dial H for Hero (dessen Relaunch im Zuge der New 52 man im Zuge der New 52 unbedingt ansehen sollte). Was aber diesem titelgebenden Cape etwas Besonderes verleiht, ist der Umstand, dass es ein Relikt aus der Kindheit ist, als alles noch gut und hoffnungsvoll war. Man konnte frohen Mutes in die Zukunft blicken und erfreute sich auch an Kleinigkeiten. Somit ist das Cape aufgeladen mit Fantasien und Träumen aus der Vergangenheit.
Die Zeichnungen von Zach Howard sind solide mit gut gesetzten Zooms. Störend wirkt nur die deutlich sichtbare Rasterung, die vom Zeichner auch schon nervigerweise in Road Rage eingesetzt wurde (übrigens auch eine Adaption einer Kurzgeschichte von Joe Hill). Dies ist zwar eine Hommage an die alten Pulps und die grobe Körnigkeit des Zeitungspapiers, auf dem Comics das Licht der Welt erblickten, aber durch diese künstlich hervorgerufene Maserung bricht er die Erzählung unnötig ironisch auf. Zwar kann man das als Bezugnahme auf frühe Superheldencomics sehen, aber als Kommentar dazu kommt es etwas zu spät.
Die Figuren der antiken griechischen Sagenwelt sind schon vielfach Inspiration für gelungene Comics gewesen. Neil Gaimans beachtliche Einbettung des Orpheus-Mythos in seine Reihe Sandman fällt einem ein, Peter Milligans glücklose Vertigo-Serie Greek Street oder die unterhaltsamen Alben Tiresias und Hera zum Ruhm von Le Tendre und Rossi, die nah am Sagenstoff, aber doch unterhaltsam mit Schwung und Witz direkt ins Herz des Lesers zielen.
Am Anfang steht der von den Göttern geschätzte Herrscher Tantalos, der die Allwissenheit der Götter prüfen möchte, indem er ihnen das Fleisch seines Sohnes Pelops als Festmahl serviert. Als der Frevel auffliegt, wird Tantalos zu Höllenqualen verdammt und das Geschlecht der Atriden verflucht. Der geschlachtete Sohn Pelops wird zwar wiederhergestellt, aber die Familie wird mit dieser Vorgeschichte keine normale mehr sein können. Ab sofort werden Mord, Verrat und Inzest an der Tagesordnung sein.
Den Ansatz kennt man auch von zeitgenössischen Theaterinszenierungen, und er ist inzwischen einigermaßen totgeritten worden. Am Ende, wenn am Vorabend des Trojanischen Kriegs der „Bündnisfall” ausgerufen wird, erreicht die Modernisierung dann auch noch die textliche Ebene, was leicht ironisch wirkt, aber wohl kaum so gemeint ist. Letztlich ist diese Modernisierung mit dem Holzhammer aber durchaus plausibel, denn ebenso irrational wie das Wirken der Helden und Götter sind eben nach wie vor auch oft die modernen Umstände, die uns – intelligente, scheinbar rational denkende Menschen – nach wie vor sehenden Auges ins Unglück steuern lassen. Die Bilder der Antike sind (leider) nach wie vor eine verlässliche Landkarte für das menschliche Verhalten – auch wenn Bilder von Kannibalismus und göttliche Zaubereien natürlich metaphorisch verstanden werden müssen.
Mit der fantastischen Reise zum Mittelpunkt des Mondes liegt nun der Abschluss der Science-Fiction-Trilogie vor. Und da hier viele offene Handlungsfäden und Konflikte zwischen den Figuren miteinander verknüpft werden, wird es für Leser, die die vorhergehenden Abenteuer nicht mit verfolgt haben, recht schwer, alles einordnen zu können. Sprich: Wer die ersten beiden Teile nicht kennt (
Doch beim Betrachten lässt sich die Faszination dieser französischen Reihe durchaus verstehen, denn die Optik, die Gil Formosa auf die Seiten zaubert, ist überwältigend – wobei der Mix aus 3D-Computergrafik und klassischem franko-belgischem Strich nicht ganz so harmonisch ausfällt. Zudem ist die Anordnung der Sprechblasen total wirr ausgefallen und trägt nicht gerade zum Verständnis der Handlung bei, da man sich erst den Weg durch die Dialoge suchen muss. Das gleiche kann man eigentlich über den ganzen Band sagen: Er ist gut, aber zugleich ziemlich unübersichtlich.
Morgen beginnt in München das größte Comicfestival in diesem Jahr – auch wir sind dort wieder vertreten. An einem Stand im Alten Rathaus präsentieren wir unsere Print-Publikationen. Eine neue Ausgabe des Comicgate-Magazins wird es in diesem Jahr leider nicht geben.
Comicgate findet ihr im Alten Rathaus, umrahmt vom legendären Zwerchfell-Verlag auf der einen und dem nagelneuen Dani Books auf der anderen Seite (Standnummer 25, siehe 
Ein weiterer frankobelgischer Klassiker der 1980er Jahre feiert sein Deutschland-Comeback: Jérôme K. Jérôme Bloche, hierzulande besser bekannt als Jackie Kottwitz. Die Albenserie brachte es anno dazumal im Carlsen Verlag gerade mal auf fünf Ausgaben, Finix hat sich dagegen zu einer umfassenden Gesamtausgabe in Hardcoverform entschlossen.
Es geht nicht darum, ob der rothaarige Detektiv die Fälle löst, nein, der Charme liegt in dem Wie. Im ersten Kapitel „Der mörderische Schatten” geht Jackie einer Mordserie auf die Spur, die bei einem Professor beginnt. Jener beauftragt posthum seine Detektiv-Schüler, darunter auch Kottwitz, jeweils einen der anderen Schüler als Verdächtigen zu überprüfen. Eine clevere Verquickung, die sich das Kreativteam aus Alain Dodier, Serge le Tendre und Pierre Makyo, hier hat einfallen lassen. Während sich die zweite Story ganz klassisch um das Verschwinden eines Barons dreht, infolgedessen die Angestellten und Verwandten der Reihe nach als Verdächtige ausgeschlossen werden müssen, wird der dritte Fall schließlich wieder etwas persönlicher. Denn es geht um merkwürdige Vorkommnise rund um einen anonymen Robin Hood in Verbindung mit einer Welle von Erpressungen, in die auch Jackies Onkel involviert zu sein scheint.
Um gleich eine Entwarnung hinterherzuschicken: Es sind nur Kleinigkeiten, die das sensible Rezensenten-Gemüt bei der Lektüre störten. So wird der satirische Witz, den die mit bombastischen Brüsten und unglaublicher Wespentaillen ausgestattete USDA-Agentin in Band 2 verkörperte, hier gehörig überstrapaziert, wenn ein ganzes Rudel gleich gebauter Superagentinnen den Comic bevölkert. Die Cyborg-Tiere (inklusive Goldfisch im Glas), welche besagte Agentinnen als Partner begleiten, scheinen selbst für einen Comic wie Chew etwas zu bescheuert und over-the-top. Und der Zwischenplot um die gefährlichen Wundergeschosse will auch nicht so richtig zünden und in Fahrt kommen. Zugegeben: Angesichts der geballten Qualitäten des Comics ist das natürlich Korinthenkackerei und Jammern auf extrem hohem Niveau. Es zeigt zugleich beeindruckend auf, wie hoch das Kreativteam aus Autor Layman und Zeichner Guillory die Messlatte mit den bisherigen Chew-Teilen gelegt hat. Wäre dies ein Serieneinstand, wären diese Kritikpunkte vermutlich gar nicht zur Sprache gekommen. Ein klarer Fall von Rezensenten-Ansprüchen also, die sich der gebotenen Qualität der Serie schnell angepasst haben.
Nach dieser subjektiv empfundenen, klitzekleinen Qualitätschwankung überzeugte mich der Nachfolgeband „Erste Liga“ dann auch gleich wieder auf der ganzen Linie. Hier wird Protagonist Tony dank seines intriganten Chefs von der mächtigen Lebensmittelbehörde FDA zur Verkehrspolizei versetzt – was ein paar extrem komische Szenen zur Folge hat – und gerät schließlich in die Hände einer Gruppe soziopathischer Baseballfans, die mit seiner erzwungenen Hilfe einen wirklich widerwärtigen und zugleich unfallartig-faszinierenden Plan umsetzen wollen. Tonys Entführung bietet nicht nur Spannung, sondern auch mehr Raum für die toll ausgearbeiteten Nebenfiguren: seine Tochter Olive, die einiges mit ihrem Vater gemeinsam und es zudem faustdick hinter den Ohren hat; den stil- wie geheimnisvollen Ex-Bundesagenten Mason Savoy und seinen Verbündeten, den nicht minder stilvollen FDA-Agenten Caesar, die ihre eigenen Ermittlungen in Sachen Vogelgrippe betreiben; Tonys – mit ihrer ganz eigenen „kulinarischen Fähigkeit“ versehene – Freundin Amelia sowie seinen an extremer Selbstüberschätzung leidenden Cyborg-Partner John Colby. Zudem wird vorgeführt, was man mit der richtigen Begabung alles mit Schokolade anstellen kann. Hochgefährlich, das Zeug! 