Liest man ein Werk des Comickünstlers Baru, weiß man mittlerweile, woran man ist. Der 
Franzose versteht sich auf Milieustudien, er skizziert das Leben in den französischen Vorstädten, berichtet von Losern, gefallenen Champions, Kleinkriminellen und fängt damit die Tragik des gesellschaftlichen Lebens Frankreichs immer wieder aufs Neue so gut ein wie kaum ein anderer Autor.
Dabei lässt es sich Baru jedoch trotz realistischer Darstellung nicht nehmen, jedem seiner Comics eine spezifische Genrenote zuteil werden zu lassen. Im Falle seines neuen Werks Hau die Bässe rein, Bruno! schuf er einen verwobenen Krimi mit leicht komödiantischem Einschlag.
Der Comic folgt zwei Handlungen, die im Laufe der Geschichte miteinander verknüpft werden: In der ersten Geschichte geht es um den jungen Slimane, der in einem afrikanischen Dorf als Fußballtalent entdeckt wird und sich daraufhin in den Laderaum eines Flugzeugs schmuggelt, um nach Frankreich zu gelangen und Karriere zu machen. Dort erwartet ihn jedoch das harte Leben als illegaler Einwanderer, der sich mit Gelegenheitsjobs durschlagen muss.
Die zweite Handlung fokussiert sich auf Zizou (ein Namensvetter des berühmten Fußballers Zinedine Zidane, hier wird bereits der Brückenschlag zu Slimane sichtbar), der frisch aus dem Gefängnis entlassen bereits seinen nächsten großen Coup plant. Doch für den Überfall auf einen Geldtransporter muss Zizou sich ausgerechnet auf ein paar alternde Ganoven verlassen.
Baru spinnt die beiden Ebenen auf ruhige Weise fort und vernetzt sie nach und nach miteinander. Das ist für den Leser an einigen Stellen etwas verwirrend, aber nicht umso weniger interessant. Am Ende des gewohnt seicht kolorierten, rasant gestalteten Bandes ergibt sich eine schlüssige Auflösung. Souverän, wie man es von vorherigen Arbeiten Barus in vergleichbarem Stil (z.B. Wut im Bauch und Elende Helden, beide Edition 52) kennt, strukturiert der französische Künstler seine Einzelelemente zu einem stimmigen Ganzen. Am bemerkenswertesten ist jedoch, dass er dabei sogar soziokulturelle Themen wie Migration und das Älterwerden subtil in seine Verbrecherstory mit einfließen lässt.
Wertung: 
Gelungener Comicband, der bewährte Motive aufgreift und ihnen auf kluge Weise neue Aspekte abzuringen vermag
Hau die Bässe rein, Bruno!
Verlag: Edition 52, Mai 2011
Text: Baru
Zeichnungen: Baru
128 Seiten, farbig, Softcover
Preis: 22,- Euro
ISBN: 978-3-935229-83-8
Abbildungen © Baru, der dt. Ausgabe: Edition 52
Beim Verlag Schreiber & Leser hat man bereits seit geraumer Zeit das „Graphic Novel“-Format (für das es freilich keine einheitliche Richtlinie gibt) für sich entdeckt und beginnt jetzt auch vermehrt, Albenreihen in verkleinerten Sammelbänden neu aufzulegen. So jüngst geschehen beim französischen Comicklassiker Largo Winch, einer Serie von Philipe Francq und Jean van Hamme.Der erste vorliegende Sammelband enthält die ersten vier Alben der Serie, und wurde, ebenso wie die Einzelalben in den vergangen Jahren, unter dem Sublabel „Alles Gute“ publiziert.
Das Kleinformat des ersten Sammelbandes lässt die Zeichnungen von Philippe Francq, seine äußerst filigrane, detailreiche Strichführung und die satte Kolorierung leider überhaupt nicht gut zur Geltung kommen. Zudem strengt es beim Lesen richtiggehend die Augen an. Bei manchem Comic mag das Schrumpfen der Seiten kein Problem sein, im Falle von Largo Winch ist diese Praxis aus meiner Sicht eher suboptimal. So richtig genießen sollte man die Serie eigentlich im Albenformat.
der Schöpfer von 
Und das muss man vor dem Lesen wissen: Cryozone ist kein knallharter Horrorthriller. Es geht zwar mitunter sehr blutig zu, aber vor allen Dingen geht es um möglichst viel Spaß beim Zombiegemetzel. Überhaupt weicht der Comic von Cailleteau und Bajram von einem klassischen Sci-Fi-Setting ab. An Bord der Neil Alden Armstrong befinden sich unter anderem Kameraleute, die für das eigene „Bord-Fernsehen“ aufzeichnen, Stiere, ein lächerlich aussehendes Feuerwehrteam und einige Indianer, die als Techniker arbeiten, weil sie keine Höhenangst kennen und deshalb unter künstlicher Schwerkraft keine Probleme haben.
Auf zwei Bände angelegt, erzählt der erste Band von Smoke City eine klassische Heist-Story: Eine Bande von Kriminellen, deren Mitglieder sich zur Ruhe gesetzt haben, wird reaktiviert, um aus einem Museum eine Mumie zu stehlen. Die eine Hälfte des Albums dreht sich ganz genregerecht um die Vorstellung der Figuren und die Animositäten innerhalb der Gruppe. In der zweiten Hälfte geht es dann, wieder ganz genregerecht, um den Coup an sich, der zunächst natürlich alles andere als planmäßig verläuft, da ansonsten ja auch keine Spannung aufkommen würde. Verrat und Liebe spielen selbstverständlich auch eine Rolle. 
Kleine, gut versteckte Zitate deuten dabei in eine grobe Richtung. Das Eröffnungspanel lebt nicht nur von dem ersten Blick auf die moderne Großstadt, ganz in metallenes Grau getaucht, sondern auch von dem Kontrast mit einer Krähe, die mit bedrohlich geöffnetem Schnabel durch die Luft fliegt. Da sich die Krähe nicht in ihrer gewohnten Umgebung befindet, wird schon angedeutet, dass etwas geschehen wird, was nicht geschehen soll. Dass Krähen auch als Unglücksvögel gelten, passt dazu. Vielleicht auch schon eine kleine Anspielung auf The Crow von James O’Barr? Die Frage, ob man schon einmal mit dem Teufel im fahlen Mondlicht getanzt habe, entstammt dem ersten Batman-Film von Tim Burton und zeigt deutlich, dass die titelgebende „Smoke City“ ein ebensolcher Moloch wie Gotham City ist. Der Titel erinnert nicht nur phonetisch an Sin City von Frank Miller, auch die Flucht eines Helden erinnert ein bisschen an die Flucht von Marv aus dem ersten Sin City-Band. Und die asiatische Ninja-Kämpferin, die hier auftaucht, könnte auch Frank Millers Noir-Epos stammen. Hier wird aber nicht plagiiert, da alle drei genannten Elemente sehr versteckt sind. Vielmehr werden sie als Zitat eingebaut, um die Story inhaltlich zu verorten: Mystik (Krähe), gotischer Einfluss (Batman), Großstadtsaga, Krimi, Action und verführerische Frauen (Sin City).
Passend zur düsteren Story sind die Bilder von Benjamin Carré zum größten Teil in sehr blassen, kalten, düsteren Farben gehalten, die nur selten aufgehellt oder farblich intensiviert werden. Die Hintergründe führt er manchmal sehr detailliert aus, was mit der sehr rudimentären und glatten Figurenzeichnung bisweilen störend kollidiert. Hier hat man einen naturalistischen Ansatz und da sehr flächig gestaltete Figuren, die bisweilen unfertig wirken. Der Stilbruch lässt sie deplatziert wirken, was immerhin zu Verbrechern passt, die sich nicht in die Gesellschaft einordnen (wollen), aber es befremdet etwas zu Beginn. Dennoch sind die Zeichnungen für ein Debüt recht gelungen, wenn man sich nicht daran stört, dass sie erkennbar auf Fotovorlagen basieren.
Green Lantern
Als Regisseur engagierte man den Neuseeländer Martin Campbell, der mit zwei Zorro- und zwei James-Bond-Filmen (Golden Eye und Casino Royale) ausreichend Erfahrung im Action-orientierten Blockbusterkino mitbringt. Bei der Besetzung verzichtete man auf die ganz großen Namen, verpflichtete aber ein solides Ensemble mit Ryan Reynoldsals Hauptfigur Hal Jordan und Leuten wie Peter Sarsgaard, Mark Strong und Tim Robbins in weiteren Rollen. An den Schauspielern liegt es nicht, wenn der Film scheitert, diese liefern einen soliden Job ab. Aber im Mittelpunkt steht bei Green Lantern nicht die Schauspielkunst, sondern Action und Effekte. Und auch die sind durchaus gelungen: gut designte außerirdische Welten und rasante Kampfszenen, in denen man nicht den Überblick verliert und die in 3D durchaus etwas hermachen. Ebenfalls gelungen: das Figurendesign der am Computer animierten außerirdischen Lebensformen wie dem galaktischen Vogel Tomar-Re und dem Hünen Kilowog. Optisch also weiß Green Lantern durchaus zu gefallen. Aber eigentlich soll ein Film ja auch eine Geschichte erzählen, und da fangen die Probleme an. 
Wer nun als Zuschauer fragt, wieso ausgerechnet dieser Hal Jordan „auserwählt“ sein soll, warum gerade er zum Weltretten berufen ist, und was für ein Problem eigentlich dieser Hector Hammond hat, stellt die falschen Fragen. Denn der Film weiß es auch nicht. Das Drehbuch hakt eifrig Punkt für Punkt auf der To-Do-Liste ab, die sich die Autoren aus 70 Jahren Comicgeschichte herausgepickt haben, weiß aber mit den Figuren nichts anzufangen. Alle, wirklich alle, Figuren bleiben extrem blass, keiner entwickelt charakterliche Tiefe oder tut an irgendeiner Stelle etwas unerwartetes. Weder der Titelheld noch eine seiner Nebenfiguren strahlt genug Charisma aus, um das Publikum wirklich mitzureißen. In Sachen Motivation der Figuren ist den Drehbuchautoren nur eins eingefallen: Probleme mit dem Vater. Hal Jordan hat Daddy Issues, seine Kollegin Carol Ferris (mit der es später zu einer völlig unprickelnden Lovestory kommen wird) hat Daddy Issues, und auch Fiesling Hector hat, richtig geraten, Daddy Issues. Vermutlich das Thema, das im Grundkurs Kreatives Schreiben in Hollywood als erstes besprochen wird.
Man darf also weder von der Story, und wie sie erzählt ist, etwas erwarten, noch von den Figuren dahinter. Übrig bleiben die visuellen Schauwerte, die zweifellos gegeben sind. Trotzdem fehlt auch hier das gewisse Etwas. Vielleicht hätte ein wenig mehr Augenzwinkern geholfen. Denn seien wir ehrlich: Eine Geschichte, deren Held seinen grünen Ring an einer grünen Laterne aufladen muss, damit er in den Weltraum fliegen und dort allerhand Bösewichte bekämpfen kann, indem er sich Gegenstände ausdenkt, die dann in grüner Farbe erscheinen und als Waffe einsetzbar sind, ist schon ziemlich gaga. Was man in gezeichneter Form ohne weiteres akzeptiert, kann in einem Realfilm schnell peinlich wirken. Es sei denn, man würde mit Augenzwinkern und Selbstironie dagegensteuern. Stattdessen nimmt sich Green Lantern über weite Strecken viel zu ernst und baut nur äußerst selten kleine Gags ein. Der Spaß, den man zum Beispiel bei einem Film wie Iron Man hat, der immer wieder entwaffnende Komik einstreut, stellt sich hier niemals ein.
Der italienische Weltenbummler Manuele Fior (der nach Berlin und Oslo mittlerweile in Paris lebt) erzählt in Fünftausend Kilometer in der Sekunde von jungen Italienern, die es ebenfalls in unterschiedlichste Richtungen verschlägt. Eine episodische Geschichte um Liebe, Annäherung und Entfernung, bei der Fior vor allem viel Wert auf den Einsatz von Farben legt. Beim Festival in Angoulême wurde der Comic Anfang des Jahres als Bestes Album 2011 ausgezeichnet, nun erschien die deutsche Ausgabe beim Avant-Verlag. 
Das Eidalon-Label Modern Tales bringt die amerikanische Indie-Serie Local von Brian Wood und Ryan Kelly in einem voluminösen Hardcoverband mit 320 Comicseiten und einem umfassenden Bonusteil. Die reguläre Ausgabe kommt also gleich ausgestattet wie eine Special Edition. Local erschien im Original zwischen 2005 und 2008 als zwölfteilige Maxiserie bei Oni Press. Jedes Einzelheft enthielt eine in sich abgeschlossene Geschichte, die jeweils in einer anderen amerikanischen Stadt spielte. Verbunden sind diese Geschichten durch die Hauptfigur Megan, die in jeder Episode auftritt und jedes Jahr in einer anderen Stadt lebt. Damit erzählt Wood sowohl von der Entwicklung einer Frau als auch vom Leben in den USA innerhalb eines Jahrzehnts. Kostproben gibt es auf dem 
Winnetou – Hommage an Karl May und Helmut Nickel ist ein Sammelband mit kurzen Beiträgen von zahlreichen deutschen Comicmachern, entstanden als Hommage an den Ehrengast des Münchner Comicfestivals und erschienen bei Edition 52. Wie schon vor zwei Jahren bei einem ähnlichen Projekt für Hansrudi Wäscher trommelte Herausgeber Gerhard Schlegel eine illustre Runde von sehr verschiedenen Zeichnern zusammen, die sich auf unterschiedlichste Weise mit Nickel und/oder Winnetou beschäftigen. 
Von dem heute in Frankreich lebenden Norweger Jason erschienen 2003 zwei Comics (Psssst! und Hey, warte mal…) beim Verlag Schwarzer Turm. Seitdem war der Zeichner äußerst produktiv, sammelte international Preise und Kritikerlob, nur bei uns erschienen keine weiteren Titel. Reprodukt verspricht nun endlich Abhilfe und startet mit Hemingway, einer Geschichte, deren Hauptfiguren die berühmten Schriftsteller Ernest Hemingway, F. Scott Fitzgerald, James Joyce sind, die im Paris der 20er Jahre ein Bohème-Leben führen. Allerdings haben sie hier Hundeköpfe und sind Comiczeichner! 
Mit Hot Rock vom Zeichner Lax erweitert Schreiber & Leser sein Noir-Label. Der Comic ist die Adaption eines Krimiromans von Donald Westlake (der auch als Richard Stark bekannt wurde). Die erste von mehreren Stories um den Dieb John Dortmunder, die von einem missglückten Diamantenraub handelt, wurde bereits in den siebziger Jahren mit Robert Redford verfilmt, die Comicversion stammt aus dem Jahr 2008. 
Cross Cult feiert sein 10-jähriges Bestehen. Los ging es im Jahr 2001 mit der schwarz-weißen Ausgabe von Mike Mignolas Hellboy im ungewohnten, heute zum Verlags-Markenzeichen gewordenen A5-Format. Das immer weiter expandierte „Mignolaverse“ begleitet den Verlag bis heute, doch nicht jede der zahlreichen Spin-Offs und One-Shots rund um Hellboy und die B.U.A.P., die in den USA erscheinen, sind auf dem deutschen Markt erfolgsversprechend. Deshalb packt Cross Cult einen großen Teil dieser Nebenreihen (Lobster Johnson: Der Eiserne Prometheus, B.U.A.P.: 1946 und 1947 sowie Abe Sapien: Ertrinken) in den extradicken Jubiläumssonderband Geschichten aus dem Hellboy-Universum in limitierter Auflage, der mit 608 Seiten die Form eines Ziegelsteins hat und mit 50 Euro nicht mal überteuert ist. (
Durch die Panini-Neuheiten des Juni hangeln wir uns einmal kurz im Schnelldurchlauf und beginnen mit der Simpsons-Abteilung: Dort startete die dreiteilige Miniserie Der Tod des Comic-Typs mit dem „Comic Book Guy“ in der Hauptrolle und vollgepackt mit mehr oder weniger hintergründigen Anspielungen und Seitenhieben auf das Comicbusiness. Autor Ian Boothby erhielt hierfür eine Eisner-Nominierung als „Best Writer“, außerdem war die Miniserie für „Best Humor Publication“ nominiert.
Dass sich ausgerechnet Andreas C. Knigge in einem umfangreichen Buch mit Leben und Werk von Hansrudi Wäscher beschäftigt, kann man durchaus als Überraschung werten. Schließlich gehörte Knigge zu seiner Zeit als Comixene-Herausgeber zu jenen „jungen Wilden“, die gegen nostalgisch verklärte Sammler anschrieben, die sich nur für die altbackenen Comics ihrer Jugend interessieren. Das führt zu dem angenehmen Umstand, dass bei Allmächtiger! Hansrudi Wäscher – Pionier der deutschen Comics eben kein unkritischer Fanboy am Werk ist, sondern ein distanzierter, aber neugieriger und aufgeschlossener Comicexperte. Siehe dazu auch dieses 
Publikationen zurückblicken, von denen in den vergangen Jahren auch recht viele ins Deutsche übersetzt wurden. Jüngst hinzugekommen ist das sich über zwei Bände erstreckende Der Himmel ist blau, die Erde ist weiß, eine getreue Adaption des Romans der ebenfalls aus Japan stammenden Schriftstellerin Hiromi Kawakami.
Der Comic schafft es sehr gut, die fragile Beziehung zwischen der unsicheren Tsukiko und dem wesentlichen älteren und vermeintlich souveränen Exlehrer, den sie nur Sensei nennt, aufzunehmen und sich über viele Kapitel hinweg entfalten zu lassen. Erst spät wird über Liebe gesprochen, ausgelebt wird sie erst recht nicht; die Zeit davor ist von einer gewissen Distanz geprägt, von zaghafter Annäherung ohne Verpflichtungen.
Das einzige, was manche Leser an der zweibändigen Geschichte kritisieren könnten, ist der ziemlich langsame Erzählfluss. Die einzelnen Kapitel liest man sehr schnell durch, aufgrund der Gesamtzahl der Seiten (über 430) und der Tatsache, dass sich die Handlung bevorzugt zwischen nur zwei Personen abspielt, die zudem auch noch oftmals die fast identischen erneuten Begegnungen zelebrieren, zieht sich das Ganze selbst für Taniguchi-Verhältnisse ganz schön in die Länge.
Die Serie Schmetterlingsnetzwerk von Eric Corbeyran (
Schon der Beginn lässt Anleihen beim Steampunk erkennen, ohne dass der Band diesem Genre direkt zuzurechnen wäre. Allenfalls im Dekor kommen futuristische Elemente vor, die meist die Fortbewegungsmittel betreffen. Ansonsten ist das Ambiente scheinbar ganz in der Belle Époque angesiedelt. Technische Neuerungen wie Film, Automobil oder Telefon kontrastieren mit einem Stadtdekor, welches die Handlung auch einhundert Jahre früher einordnen könnte. Aber um Fantasy handelt es sich bei dem Comic auch nicht. Vielmehr wurde die Geschichte außerhalb jeder greifbaren historischen Zeit angesiedelt und ist eigentlich ein klassischer Noir-Krimi. Nicht nur sind die Helden dem kriminellen Milieu zuzuordnen, auch die Story ist ziemlich düster, in der es um Vergewaltigung, Mord, Voyeurismus und Snuff-Filme geht.
Bei Cecils detailreichen, ja opulenten Zeichnungen kann man sich richtig in den Einzelheiten verlieren und in das Ambiente eintauchen, was bei einer solchen Story die Wirkung noch verstärkt. Die sehr gute Farbgebung setzt geschickt Lichteffekte. Was aber besonders gut gelungen und originell ist, ist der dramaturgische Einsatz der Panelränder. Es gibt in dem Band keine Lautmalereien, stattdessen werden Geräusche an den Panelrändern verdeutlicht. So sind zum Beispiel beim Klingeln eines Telefons oder bei Schüssen leichte „Risse“ an den Seiten zu sehen. Als ein Fahrstuhl sich bewegt, wird die Bewegung dadurch verdeutlicht, dass die Panelränder nicht mehr gerade sind.