Unsere Links der Woche, Ausgabe 32/2011
Sondermann-Publikumspreis 2011
Frankfurter Rundschau
Die Abstimmung zum Comic-Publikumspreis Sondermann, der auf der Frankfurter Buchmesse verliehen wird, läuft seit Anfang letzter Woche. Abgestimmt werden kann im Comicforum. Der Mitveranstalter Frankfurter Rundschau stellt in einem umfangreichen Special den Preis und die nominierten Comics vor. Die Autoren der Texte kommen von der Arbeitsstelle für Graphische Literatur an der Uni Hamburg, der ArGL.
Der wunder- und sonderbare Sondermann – wer bekommt ihn 2011?
Frankfurter Buchmesse
Wie aus der offiziellen Pressemitteilung der Buchmesse hervorgeht, stehen für die beiden Sondermann-Kategorien, die per Juryentscheid vergeben werden, bereits die Preisträger fest: Als Newcomer 2011 wird Asja Wiegand ausgezeichnet, die das Webomic-Tagebuch Gestern noch führt (eine Print-Edition ist beim Schwarzen Turm in Vorbereitung). Der Bernd Pfarr-Sondermann für Komische Kunst 2011 geht an Eugen Egner (u.a. Bunte Welt des Frohsinns).
Rolle rückwärts in die Zukunft
tagesspiegel.de, Lutz Göllner
Am 31. August fiel der Startschuss für den großen Neustart bei DC Comics. Alle bisherigen Superheldenserien des Verlags endeten im August, in den kommenden Wochen starten 52 neue Serien jeweils mit der Nummer 1. Den Auftakt machte letzte Woche das Flaggschiff Justice League von Geoff Johns und Jim Lee, in den USA gab es in einigen Comicshops eigene Mitternachtsverkäufe nach dem Vorbild von Harry Potter. Im Tagesspiegel stellt Lutz Göllner die Aktion und ihre Hintergründe vor und merkt an: „Auf die Idee, weniger zu produzieren, dafür mehr auf Qualität zu achten kommt keiner. Denn auch dieser neue Reboot kommt als alter Wein in neuen Schläuchen daher.“
DC Neustart – der Countdown läuft sozusagen
Grober Unfug
Cleveres Marketing betreibt der Comicladen Grober Unfug, der auch viele Kunden mit US-Comics versorgt. Zum DC-Neustart stattet er sechs Berliner Blogger (die wohl alle zur Kundschaft des Ladens gehören) mit allen 52 Nummer-1-Ausgaben aus, die Hefte sollen dann auf den jeweiligen Blogs vorgestellt werden. Auf Nilz Bokelbergs Weltfrieden, Nerdcore, nerdzweipunktnull, Minds Delight, Ein Comic Leben und Ti_Leo meint liegen bereits Reviews von Justice League #1 vor.
Heroes Take Flight, Again
The New York Times, Dave Itzkoff
Natürlich gab es zu DCs Neustart auch viel Resonanz in den amerikanischen Medien. Der Artikel in der New York Times sei hier exemplarisch genannt. Dort wird auch die Zahl von mehr als 200.000 Vorbestellungen für Justice League #1 erwähnt, auch von weiteren sechs Nummer-1-Hefte sollen die Comichändler mehr als 100.000 Stück geordert haben. Die 100.00er-Marke galt zuletzt als eine magische Hürde, die nur noch ganz wenige Bestseller (meist nur noch ein Heft pro Monat) erreichen konnten.
It’s All Changed Forever — Again: Thoughts on the New DCU 52
Comics Worth Reading, Johanna Draper Carlson
Eine kritische Einschätzung, garniert mit vielen interessanten Links von der US-Bloggerin Johanna Draper Carlson: „Alles über Bord zu werfen und neu anzufangen ist die leichteste Lösung. Jeder kann das. Die schwierigere – aber nachhaltigere – Lösung, wäre, ein kriselndes Projekt zu nehmen, zu analysieren was falsch lief und wie man zurück auf die Erfolgsspur kommt. Das wäre auch der erwachsenere Ansatz.“
Trash oder Geniestreich? Die Welt der Comics
Deutschlandradio Kultur, Gisela Steinhauer und Andreas Platthaus
Die Call-in-Sendung Radiofeuilleton- Im Gespräch widmete sich am vorletzten Samstag anlässlich des 60. Geburtstags der Zeitschrift Micky Maus dem Thema Comics und lud Andreas Platthaus als Experten ins Studio. Die Hörer waren eingeladen, anzurufen. Die vollständige Sendung steht als Download (2 MP3-Files, je 45 min) zur Verfügung.
Drehbuchautor und Regisseur in einem
zeit.de, Markus Schleufe
In der Serie „Beruf der Woche“ widmet sich Zeit Online dem Comiczeichner („Gehalt: variiert, je nach Auftragslage und Verkaufszahlen; Arbeitszeit: variiert, je nach Auftragslage“) und stellt als Beispiel Mawil und dessen Arbeitsalltag vor.
Read Comics in Public 2011 in Berlin
flickr, TiberiusTarante
Am 28. August war der „International Read Comics in Public Day“ an dem die Inititatoren Comicfans weltweit dazu aufrufen, Comics in der Öffentlichkeit zu lesen und dies zu dokumentieren. Zum Beispiel so wie TiberiusTarante, der an bekannten Plätzen in Berlin gelesen hat und sich auf schicken Bildern fotografieren ließ.
Zu Beginn der zweiten Storyline von Fräulein Rühr-mich-nicht-an gelingt Autor Hubert mit der Einführung des „Märchenprinzen“ eine erzählerische Auffrischung. Auch das Zeichnerteam Kerascoët erfindet das Paris der 1920er noch einmal neu, indem es ein helles Paris durch die schweren Vorhänge des Pompadour schimmern lässt.
Auch grafisch finden sich diese Grenzüberschreitungen wieder. Für das Bordell verwendet das Zeichnerteam Kerascoët wieder schillernde Rot- und Purpurtöne. Doch diesmal wechselt sich diese bunte Pracht nicht mit dem Dunkel der Unterwelt, sondern mit den scheinbar freundlichen Pastelltönen der Außenwelt ab. Statt nur durch die Vorhänge des Pompadour nach draußen zu schauen, wird die Heldin auch in feine Gesellschaft eingeführt.
Bedeutungsschwanger kommt der Untertitel des vierten und letzten Bandes daher: „Bis dass der Tod uns scheidet“. Von einem vorzeitigen Ableben kann aber nicht die Rede sein, eher von einer schmerzhaften Trennung: Fräulein-Rühr-mich-nicht-an und das spannende Leseerlebnis gehen von nun an getrennter Wege.
Das Setting, welches dem erotischen Krimi bisher seine würzige Note verliehen hat, scheint für Blanche für immer verschlossen zu sein. In „Bis dass der Tod uns scheidet“ steht sie vor der Tür des Nobelbordells Pompadour. Sie ist aber nicht mehr länger Teil des Etablissements. Gerade in dem Wechselspiel zwischen Edelprostituierter und unschuldiger Landmaus lag der Reiz der ersten drei Bände. Das interessante Nachtleben ist im vierten Band vollends dem langweiligen Alltag von Paris gewichen. Vorbei sind die nächtlichen Eskapaden im Pompadour, die humoresken Sexeinlagen und die dicken roten Vorhänge, hinter denen so manches Geheimnis steckt. Das letzte Geheimnis dreht sich auch gar nicht mehr um Blanche, sondern nur noch um ihren Märchenprinz, um Antoine.
Seit einiger Zeit hat es der Bocola-Verlag übernommen, alle 1788 Seiten, die Hal Foster zwischen 1937 und 1971 von Prinz Eisenherz schuf, auf Deutsch zu veröffentlichen. Dabei werden die Originalseiten digital restauriert und in den Originalfarben veröffentlicht. Auch das Papier der Bände erinnert entfernt an das gröbere Papier von Zeitungen, hat aber nicht dessen extrem raue Qualität. Das Papier ist schon hochwertiger und vermittelt ein gewisses nostalgisches Gefühl, indem es haptisch den Eindruck erweckt, die Strips im Originaldruck zu lesen – eine gute Idee. Nun erscheint der fünfzehnte der insgesamt 18 geplanten Bände; der inhaltliche Schwerpunkt liegt diesmal auf Prinz Arn, des Prinzen Eisenherz Sohn.
Interessant ist, dass trotz kultureller Verständigung eine gewisse Arroganz gegenüber den Indianern spürbar ist. Auch wenn manche Gaben scheitern und der Zivilisationsaspekt eine gegenteilige Folge hat (im Übrigen der einzige Bruch zwischen erzählter Zeit und Erzählzeit), so steht doch ein gewisser missionarischer Habitus in Vordergrund: Den Indianern wird durch die Wikinger die Zivilisation gebracht. Ausgerechnet von den Wikingern, mögen manche rufen. Immerhin wird in einer Szene deutlich, dass Arn nichts davon erfährt, dass seine guten Absichten negative Folgen haben werden. So schränkt Foster den Aspekt der Zivilisierung ein. 
Herakles, die sagenumwobene griechische Heldenfigur, ist der Sohn des Zeus und damit ein echter Halbgott. Sein getreuer Begleiter und bester Freund Sokrates ist nach eigenem Bekunden ein Halbhund: halb Hund, halb Philosoph. Dass dieser dabei den Namen eines berühmten philosophischen Vorbildes trägt, ist natürlich ein deutlicher Hinweis auf die Rolle des sprechenden Kläffers in der neuen Serie von Joann Sfar und Christophe Blain.
Allerdings gibt es entscheidende Unterschiede zwischen beiden Werken: Als erstes wäre hier das zeitgeschichtliche Setting zu nennen. Der Autor bereitet in Sokrates der Halbhund die griechische Antike auf, taucht tief ein in deren Mythologie und schlägt allgemein einen wesentlich raueren, wenn auch zwangsweise oberflächlicheren Ton an als es bei den Geschichten um den Rabbiner und seine Katze der Fall ist. Erzählt werden Herakles‘ Abenteuer, seine Kämpfe gegen Monster, seine Frauengeschichten. Innerhalb dieses fantasievollen Rahmens nimmt sich Joann Sfar auch mal Freiheiten fernab von tiefschürfenden Dialogen. Letztlich ist das auch der Pluspunkt: Sokrates der Halbhund liest sich trotz aller Ähnlichkeiten überhaupt nicht wie Die Katze des Rabbiners, aber eben immer noch wie ein Sfar-Comic. Im gleichen Zug tragen auch Christophe Blains expressionistische Zeichnungen zu einem flüssigen und farbenreichen Gesamtbild bei. Auch hier unterscheidet sich diese Comicreihe von der gewohnten aquarelligen Arbeitsweise des Szenaristen.
Im zweiten Band, als Herakles mit seinem Hund nach Ithaka reist und auf Odysseus und den Zyklopen trifft, nimmt die Serie eine dynamischere Struktur an, die Figuren interagieren auf komplexere Weise und werden differenzierter dargestellt. Überhaupt darf man darauf gespannt sein, wie es nach dem Geschehen der ersten beiden Alben mit dieser Reihe weitergeht. Denn so wie Sfar und Blain in ihrem zweiten Comic Fahrt aufgenommen haben, darf man sicherlich noch einige Überraschungen erwarten.
Man kann das, wenn auch in dem bescheidenem Rahmen des kleinen Nischenmarkts namens Comic, als Erfolgsgeschichte bezeichnen: Der Grafiker Frank Weißmüller, der sich als Comiczeichner einfach nur Erik nennt, nimmt sich ein Sabbatjahr, um an einer eigenen, epischen Comicgeschichte zu arbeiten, die er sukzessive online veröffentlicht. Sein markanter, unverwechselbarer Stil und das originelle Szenario sorgen schnell für Aufmerksamkeit. Später wird Deae ex machina zu einer der Flaggschiffserien im neuen Magazin Comix und nun liegt bei Epsilon endlich das erste Album der auf insgesamt fünf Ausgaben angelegten Reihe vor. Deae verquickt sehr geschickt verschiedene Genres und diverse Zeitebenen von der Antike bis zur Zeit zwischen den beiden Weltkriegen. Zusammengehalten wird das Geflecht durch die drei Göttinnnen, die nicht nur als sexy Blickfang dienen, sondern auch für eine humorvoll-ironische Ebene sorgen. Sehr zu empfehlen. Eine Leseprobe der Albenausgabe steht bei 
Mit Royal Lip Service legt die Dresdnerin Marika Paul (Daftball) bei Carlsen ihren ersten Boys-Love-Manga vor. Romantik und Intrigen an der Dresdner Universität!
Edition Moderne bringt mit Gaza von Joe Sacco den Nachfolgeband zu Palästina. Nachdem er in Neunziger Jahren Palästina bereist und in Comics darüber berichtet hatte, und später nach Ex-Jugoslawien ging, begab sich der Meister des Reportagecomics 2002/2003 erneut in den Nahen Osten. Er recherchierte zwei wenig bekannte historische Tatsachen, die zu den Wurzeln des Nahostkonflikts führen: zwei Erschießungsaktionen im Jahr 1956, bei der hunderte Palästinenser von israelischen Soldaten getötet wurden (
Eine noch unglücklichere Publikationsgeschichte hat Supreme erfahren: Entstanden war die Serie als Teil des großen Image-Spektakels der Neunziger Jahre, geschaffen vom damaligen Zeichner-Superstar Rob Liefeld als Superman-Kopie. Wie in jenen Tagen üblich, stand vor allem visuelles Spektakel im Vordergrund, die Story war zweitrangig. Bis im Jahr 1997 mit der Nummer 41 ein gewisser Alan Moore als Autor verpflichtet wurde und der Serie eine völlig neue Richtung gab. Fortan war Supreme ein Metacomic, eine Hommage an den klassischen Superman des Silver Age, ein Spiel mit dem Genre Superheldencomic und seiner Historie. Moores Supreme-Run endete nach zwei Dutzend Heften abrupt, weil Liefelds Verlag Awesome dicht machen musste (ein sehr ähnliches Konzept verfolgte er dann später in Tom Strong). Nona Arte sammelt die komplette Moore-Storyline „The Story of the Year“ in zwei Paperbacks, deren erster im Juli erschienen ist. Diese basieren auf den Sammelbänden von Checker Publishing, die vor allem wegen ihrer schlechten Bildqualität gerügt wurden (die Originalvorlagen aus den Neunzigern sind verschwunden, daher mussten die Seiten neu eingescannt werden), wobei man sich für die deutsche Ausgabe eigens bemüht hat, die Grafik so gut wie möglich zu restaurieren.
Panini brachte im Juli den ersten Band einer bemerkenswerten Vertigo-Serie auf den Markt: The Unwritten von Mike Carey und Peter Gross erzählt von dem Sohn eines berühmten Autors, der eine sehr erfolgreiche Buchreihe á la Harry Potter geschaffen hat, aber nun verschwunden ist. Es geht „um die Literatur als Ganzes, um ihr Verhältnis zu und ihre Auswirkungen auf unsere Realität“, schreibt Björn Wederhake im Comicgate-Magazin 5, und weiter: „Ein intelligenter Comic, der kein Interesse daran hat, sich freiwillig dumm zu stellen und der sich besonders an Menschen richtet, die Bücher und Literatur lieben.“ Kapitel 1 gibt’s bei 
Zwei neue Einzelbände bei Schreiber & Leser: Der Mörder weinte von Thierry Murat ist die Adaption eines Romans von Anne-Laure Bondoux. Er erzählt von einem Jungen, der in Patagonien recht einsam mit seinen Eltern lebt, bis eines Tages ein Fremder kommt, seine Eltern tötet und bei dem Jungen bleibt (
Beim Splitter Verlag gibt’s einen Einzelband mit dem seltsamen Titel . Der Titel ist aber bei weitem nicht das ungewöhnlichste an diesem Comic des belgischen Zeichnerstars Hermann. Autor ist der Deutsche Hans-Michael Kirstein, der über viele Jahre vom Fanboy zum Freund von Hermann wurde und ihm schließlich ein Szenario schreiben durfte, das man als surreale, sehr absurde, überdrehte Science-Fiction-Parodie bezeichnen könnte. Die Kostprobe auf 
In Hemingway führt Jason mit viel Humor durch ein recht pragmatisches Paris der Zwanziger Jahre. Der Comic bleibt trotz der fabulierten Geschichte und gerade wegen der kauzigen Charaktere bis zum Ende spannend.
Obwohl sich die Figuren nun selbst artikulieren können, nimmt Jason sie weiterhin an die Hand und geht sehr behutsam mit ihnen um. Das tut er nicht, weil sie heute gefeierte Persönlichkeiten sind, sondern weil sie damals eben nur arme Künstler waren, die ums Überleben kämpfen mussten. Es wird ganz alltäglich über Radiergummis und Bleistifte diskutiert, genauso selbstverständlich geht man abends zum Boxkampf und schlägt sich recht männlich mit seinen Kritikern. Kurzum: In Jasons Paris der Zwanziger Jahre hat die Gentrifizierung noch nicht stattgefunden.
as Layout der einzelnen Seiten und die Dialoge der Figuren gleichen einem Stierkampf. Auf jeweils neun Panels umkreisen sich die Gegner und tasten sich demagogisch ab. Im achten Bild lässt Jason sie noch einmal kurz innehalten – hierdurch erzeugt er genau das richtige Timing – nur um am Ende der Seite eine tödliche Pointe zu landen. Gerade weil die Figuren keine Pupillen besitzen und ihre Mimik auf ein Minimum reduziert ist, funktioniert Jasons deadpan-Humor in diesen dialogischen Scharmützeln so ausgezeichnet.
Schonmal vom „Penfield Homunculus“ gehört? Der Neurochirurg Wilder Penfield visualisierte mit einer grotesk aussehenden menschlichen Gestalt die Anatomie des Gehirns – welche sensorischen Reize werden an welcher Stelle des Gehirns wahrgenommen und wie stark sind diese Empfindungen? Dieser Homunculus spielt eine zentrale Rolle in Gingerbread Girl.
Viel mehr äußere Handlung gibt es nicht: Ein Abend in Portland, Oregon, an dem zwei Frauen, die ein bisschen verliebt ineinander sind, gemeinsam ausgehen. Dieser Plot spielt aber kaum eine Rolle, vielmehr soll der Charakter der Hauptfigur Annah und ihre Besonderheit erforscht werden: Sie behauptet nämlich, dass ihr als Kind von ihrem Vater, einem Wissenschaftler, der Penfield Homunculus entfernt und als eigenständiges Wesen zum Leben erweckt wurde. Seitdem hat Annah eine Art Zwillingsschwester, die sie „Gingerbread Girl“, Lebkuchenmädchen, nennt. Wenn Annah etwas berührt oder berührt wird, fühlt sie kaum etwas, stattdessen kommen diese Empfindungen bei ihrer Schwester Ginger an. Diese ist allerdings seit Jahren verschwunden, genau wie Annahs Eltern. Es drängt sich also der Verdacht auf, dass Annah mächtig einen an der Klatsche hat.
Leser, die eine endgültige Klärung aller offenen Fragen erwarten, werden von diesem Comic, der keine echte Lösung anbietet, enttäuscht sein. Man muss akzeptieren, nur Brotkrumen serviert zu bekommen. In einer Episode greift Chili zu einer passenden Metapher: Wirft man Tauben ein paar Brotkrumen hin, sind sie begeistert, mit einem ganzen Laib Brot dagegen können sie wenig anfangen. Und so ähnlich sei es auch bei unseren Mitmenschen: Wir können und wollen niemals alles von ihnen wissen, ein bisschen Rätselraten und Mysterium bleibt immer, und, so Chili, das sei auch gut so.
Captain America – The first Avenger
Sein „total package“ (Muskelpaket) kann Chris Evans in der Rolle als Steve Rogers zu Beginn des Filmes jedoch nicht präsentieren. Die Special-Effects-Abteilung hat seinen Körper eingedampft und ihn zu einem schwachbrüstigen Zwerg gemacht, dessen einzige Waffe sein eiserner Wille und sein Glauben an das Gute ist. Ein bisschen pathetisch vielleicht, doch muss er für diese Haltung auch ordentlich Haue und Erniedrigung einstecken. Nach der vierten Ausmusterung scheint Steves Traum, der Armee beizutreten, endgültig ausgeträumt. Erst als Dr. Erskine (Stanley Tucci) seine inneren Werte entdeckt und ihn für das „Project Rebirth“ auswählt, beginnt seine Ausbildung. 
Man erwartet nach dem Abschluss von „Project Rebirth“, der Verwandlung von Steve Rogers in einen Supersoldaten, eine Zäsur. Doch bleibt Johnston seinen Figuren treu: Zwar sieht Evans jetzt aus wie ein Supersoldat, doch behandeln alle ihn so, als sei er einfach nur Steve. Phillips macht ein paar schlechte Witze, Carter guckt ihn noch immer verliebt an und Steve ist so naiv wie zuvor. Wenn da nicht dieser aufgepumpte Körper wäre. Doch auch den setzt der Regisseur sinnvoll ein: Er schickt Steve gleich mit gestähltem Oberkörper, aber ohne Kostüm in seinen ersten Kampf. Es macht einfach Spaß, Steve bei der Arbeit zuzugucken, wie er rennt, springt und den Bösewicht verprügelt. Endlich kann er sich wehren. Doch die Freude ist nicht von großer Dauer, denn in den Krieg darf das Geheimprojekt immer noch nicht ziehen. Zuerst muss er als buntes Werbeplakat herumlaufen. 
Caps Gegner hat eher weniger Interesse an Werbung, obwohl er das Gesicht dafür hätte. Langjährig geschult als das ultimative Böse in der Matrix-Trilogie, passt Hugo Weaving die Rolle des Nazis Johann Schmidt wie angegossen. Der Film vollführt eine wunderbare Doppelung: Je mehr sich Steve in Captain America verwandelt, desto mehr blättert Schmidts Maske. Zum Vorschein kommt Red Skull. Auch nach der endgültigen Aufdeckung seiner Identität kann man hinter der blutroten Fratze noch immer Weavings harte Wangenknochen und sein fieses Grinsen erkennen. Nach einer kurzen philosophischen Debatte über Gut und Böse kann der spaßige Teil des Films losgehen, der sich wie folgt zusammenfassen lässt: Cap verprügelt Nazis. 
Während andere Actionfilme sich damit begnügen, eine einigermaßen glaubhafte Rahmenhandlung zu präsentieren, hat das Team von Captain America – The First Avenger die nächste logische Hürde genommen: Weder Vorgeschichte noch Epilog werden zur simplen Wartezeit vor und nach der eigentlichen Action degradiert. Vielmehr werden die Figuren, wie in jedem guten Film, zu elementaren Bindegliedern zwischen den verschiedenen Handlungselemente der Geschichte. Das gilt in Johnstons Film sowohl für die Guten wie auch für die Bösen. 
