Unsere Links der Woche, Ausgabe 9/2011:
Fortsetzungscomic: Der Boxer
Frankfurter Allgemeine Zeitung, Andreas Platthaus
In der Frankfurter Allgemeinen Zeitung startet ein neuer, täglicher Comicstrip: Reinhard Kleist erzählt in Der Boxer die wahre Geschichte von Hertzko Haft nach, einem polnischen Juden, der im KZ das Boxen lernte, nach dem Zweiten Weltkrieg in die USA ging und sich dort als Boxer versuchte. Wie üblich schreibt FAZ-Redakteur zum Auftakt einen einleitenden Text. Sowohl dieser als auch die einzelnen Tagesstrips sind auf faz.net frei zugänglich.
NextComic 2011 in Linz
Cartoon Tomb, Nina Ruzicka
Anders als der Titel nahelegt, geht es in diesem Blogeintrag von Der Tod und das Mädchen-Zeichnerin Nina Ruzicka kaum um das derzeit stattfindende Comicfestival in Linz, sondern vielmehr um ihr Selbstverständnis als Comicmacherin und ihr Verhältnis zum „Comic an sich“. In einem Interview mit sich selbst erklärt sie auf nachvollziehbare Weise, warum sie sich in der Comic-Schublade nicht allzu wohl fühlt und daher auch Comicfestivals meidet.
The Wormworld Saga App
Kickstarter, Daniel Lieske
Die Crowdfunding-Plattform Kickstarter wird bei Künstlern aller Couleur zu einem immer wichtigeren Werkzeug. Nun versucht auch Daniel Lieske, der vor Kurzem mit seinem Webcomic-Erfolg The Wormworld Saga auf sich aufmerksam machte, über Kickstarter Geld einzusammeln. Ziel ist die Entwicklung einer App für Geräte wie das iPad, über die Lieske die einzelnen Kapitel der Wormworld Saga verkaufen und dadurch von seinem Comic leben will. Stand heute hat er schon über 90 „Backers“, die das Projekt finanziell unterstützen und – falls es zustande kommt – dafür mit kleinen Schmankerln belohnt werden. Ein Drittel der anvisierten Summe ist damit schon abgedeckt. 25 Tage sind noch Zeit, um die anvisierten 12.000 Dollar einzusammeln.
Kunst & Schund
Radio Blau / schwarwel.de
Schon seit letzten Oktober läuft beim Leipziger Radio Blau einmal im Monat die einstündige Comicsendung Kunst & Schund, moderiert vom ortsansässigen Comiczeichner Schwarwel, der von der lokalen, äußerst umtriebigen Comicszene unterstützt wird. Auf der oben verlinkten Seite werden die Sendetermine angekündigt und es gibt die bisherigen Shows als MP3-Download. Eine gute Ergänzung zur sehr überschaubaren deutschsprachigen Comic-Podcast-Landschaft.
WizardWorld, Version 1.0
wizardworld.com
Die gedruckten Magazine Wizard und Toyfare wurden vor Kurzem eingestellt, stattdessen will man bei WizardWorld nun ein digitales Magazin vertreiben: WizardWorld Digital kann als kostenloses PDF und als iPad-App heruntergeladen werden und soll künftig jeden Mittwoch erscheinen. In der ersten Ausgabe stellt das Magazin die neue Comicserie Who Is Jake Ellis vor und beschäftigt sich ansonsten vor allem mit Actionfiguren. Viele Bilder, wenig Text – für die angeblich so kurze Aufmerksamkeitsspanne bei digitalen Medien vielleicht das richtige Konzept?
Don Rosa and his eyesight
YouTube, Chris Sparks
Don Rosa, einer der bekanntesten Disney-Zeichner nach Carl Barks, hat ein spezielles Augenleiden. In diesem Video erklärt er, wie das sein Sehvermögen beeinflusst und wie er damit umgeht.
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Die Independent-Serie Chew ist seit ihrem Start im Jahr 2009 ein echter Überraschungshit in den USA. Es geht um den Polizisten Tony Chu, der bei jedem Essen zahlreiche Informationen über die Herkunft dessen bekommt, was er gerade im Mund hat. Er arbeitet als Ermittler für die „Food and Drug Administration“, der wichtigsten Behörde in einem Land, in dem Verkauf und Konsum von Hühnchenfleisch nach einer großen Vogelgrippe-Epidemie streng verboten ist. Bei Cross Cult erscheint die Reihe mit dem gelungenen Mix aus Krimihandlung und schrägem Humor nun auch auf Deutsch (mit dem Untertitel Bulle mit Biss!). Aus diesem Anlass unterhielt sich Thomas Kögel per Instant Messenger sowohl mit Autor John Layman als auch mit Zeichner Rob Guillory. Den Auftakt macht das Gespräch mit John Layman.
CG: Hallo John, ich nehme mal an, heute ist ein normaler Arbeitstag für dich … Was hast du gerade gemacht, bevor ich dich unterbrochen habe?
CG: Gibt es noch andere fremdsprachige Ausgaben von Chew?
CG: War Chew von Anfang an als eine doch eher lange, 60-teilige Serie geplant?
CG: Wenn du in ein Restaurant gehst oder überhaupt irgendwas isst – überlegst du dann manchmal, was wohl Tony in diesem Moment spüren würde?
CG: Was mir an Chew richtig gut gefällt, ist die Art, wie die Geschichte erzählt wird, vor allem die Seitenlayouts. Zum Beispiel die Doppelseite im ersten Heft, auf der Tony die Suppe ist. Sind solche Sachen deine Ideen, und wie viel kommt von Rob?
CG: Hast du schon Reaktionen von Händlern auf diese Idee bekommen?
CG: Du hast am Anfang von Comics gesprochen, die du für andere Verlage schreibst. Kannst du zu diesen Projekten noch etwas erzählen?
Zur Zeit ist das Thema Plagiat ja mal wieder in aller Munde, von Ex-Ministers Doktorarbeit bis zum aktuellen Spiegel-Titelbild. Der Plagiatsvorwurf, um den es hier gehen soll, ist schon etwas älter, spielte aber in der Öffentlichkeit bisher kaum eine Rolle und wurde erst in jüngster Zeit etwas lauter. 
Ganz unabhängig davon, wie man das Thema urheberrechtlich bewertet, finde ich die Empörung, mit der die Kritik hier vorgetragen wird, sehr verwunderlich. Wer Alpha … Directions nicht nur oberflächlich durchblättert, sondern gründlich liest, wird nämlich schnell merken, dass das (Bild-)Zitat ein ganz grundlegendes Merkmal des Werkes ist. Harder bedient sich keineswegs nur bei Zdenek Burian, sondern bei zahlreichen mehr oder weniger bekannten Kunstwerken, von Alten Meistern bis zu Zeitgenossen, von weltbekannten Museumsexponaten bis zu Underground-Comics. Es macht einen wesentlichen Teil der Faszination von Alpha aus, dass hier nicht nur Milliarden Jahre Erdgeschichte, sondern auch ein paar Tausend Jahre Kunstgeschichte verarbeitet wurden. Harder zitiert mittelalterliche Bibeln, Wissenschaftsgrafiken aus dem 19. Jahrhundert, John Tenniels Illustrationen aus Alice im Wunderland und vieles mehr. Auf der links abgebildeten Beispielseite (Quelle: carlsen.de) sieht man in der oberen Reihe den Dino aus Masashi Tanakas Manga Gon. Das Wiedererkennen bekannter Bilder bei der Lektüre ist ein wesentliches Grundmerkmal des Buches. Mit anderen Worten: Ohne die detailgetreue Wiedergabe bekannter Werke anderer Künstler wäre Alpha ein völlig anderes Buch geworden.
Rein juristisch ist es durchaus möglich, dass das ein oder andere Bild in Alpha tatsächlich das Urheberrecht berührt oder verletzen könnte. Wer aber Alpha auf bloßes Abkupfern einzelner Künstler reduziert oder wie Ulf S. Graupner vorschlägt, man hätte doch „mit etwas Phantasie die Tiere in andere Posen setzen können“, hat die Intention des Werkes nicht verstanden und blendet aus, dass Zitieren und „Remixen“ essentieller Bestandteil des Buches sind. 
Einer der langlebigsten und erfolgreichsten frankobelgischen Comics ist ohne Zweifel Spirou und Fantasio, deren erste Episoden im Jahr 1938 erschienen. Neben der „offiziellen“ Serie veröffentlicht der Verlag Dupuis seit einigen Jahren Sonderbände in der Reihe Le Spirou de … Hier können, abseits des Serienkanons, „besondere“ Geschichten erzählt werden, die thematisch vom Spirou-Standard abweichen oder die individuelle Handschrift eines Autors bzw. Zeichners besonders betonen. Das Paradebeispiel für diesen Sonderweg ist sicher Émile Bravos 
Während die Story zwar recht unterhaltsam, aber nur wenig originell ist, muss Zeichner Fabrice Parme für das Besondere sorgen, das den Comic vom Spirou-Standard abhebt. Und das gelingt auch vortrefflich: Keine Spur von einer „École Marcinelle“, sondern cartoon-artige Zeichnungen, die stark an Zeichentrickfilme erinnern und sehr von Ästhetik und Design der 50er Jahre geprägt sind, die dabei aber niemals altbacken oder rückwärtsgewandt wirken. Parme verleiht „Panik im Atlantik“ ein nostalgisches Flair, behält dabei aber seine eigene Handschrift bei.
Mit dem zweiten und dritten Album ist die fulminant gestartete Comicserie Die Bruderschaft der Krabbe (
Die Entschlüsselung, die Logik hinter dem Ganzen scheint unter der Oberfläche zu stecken. Und um die aufzubrechen, muss man womöglich alle drei Teile ein zweites Mal lesen.
Wie oft kann man ein Genre parodieren, in dessen Fahrwasser man schwimmt, ohne dabei selbst abgeschmackt zu wirken? Die Antwort auf diese Frage gibt die aktuelle Ausgabe von 
Ganz ohne Frage ist das Cover dieser Ausgabe Blickfänger und Kaufanreiz. Im Inneren des Bandes findet diese aufreizende grafische Darstellung keine Fortsetzung. Die Zeichnerriege um Tim Seeley und Emily Stone versucht zwar grafisch Akzente zu setzen, doch bleibt die Darstellung mittelmäßig: In der Episode „Selbst/Mord“ wird versucht, die digitale Revolution mittels Chat-Nachrichten als Textboxen und überästhetisierter Computer-Kolorierung zu verkaufen. Der Effekt überzeugt nicht, da Gesichtsausdrücke einfach zu statisch aussehen, um die Gefühle der Akteure glaubhaft rüberzubringen. Doch dies ist keine tiefschürfende Comicliteratur, der das Seelenheil ihrer Figuren am Herzen liegt. Näher liegt da das blutende Herz, das während der actionreichen Splatterhandlung fachgerecht entfernt wird.
„Während im geheimen Versteck der Aliens…“ Eine solch plumpe Überleitung mag simpel wirken, ist aber genial. Warum nicht den Leser möglichst schnell dorthin bringen, wo er hin will. Dort, wo die Post abgeht. Auch wenn er dann schon mal an der falschen Kreuzung abbiegt, er sich plötzlich in der Nef-Welt wiederfindet und dort die Post nicht abgehen sollte, so erfüllt diese Überleitung genau ihren Zweck: Sie schneidet all das heraus, was keinen Spaß macht.
Bis vor kurzem hatte außerhalb Japans kaum jemand seinen Namen gehört. Mittlerweile zählt er auch international zu den einflussreichsten japanischen Manga-Zeichnern überhaupt: Yoshihiro Tatsumi. Zu verdanken ist das zum einen dem kanadischen Verlagshaus Drawn & Quarterly, das in den vergangenen Jahren Tatsumis Lebenswerk aufgerollt und im Westen bekannt gemacht hat, zum anderen ihm selbst, denn mit seiner epochalen Autobiografie A Drifting Life (im Original Gekiga Hyôryû) hat sich der Zeichner selbst ein Denkmal gesetzt.
Unter dem Einfluss Osamu Tezukas und inspiriert durch seinen älteren Bruder Okimasa beginnt Hiroshi Ende der 40er Jahre selbst zu zeichnen und kurze Gag-Manga an Magazine und Tageszeitungen zu schicken. Tatsächlich findet er schnell Veröffentlichungsmöglichkeiten und trifft sogar sein großes Idol Tezuka, damals selbst erst Anfang 20, welcher zu der Zeit noch unweit von ihm bei Osaka lebte. Von Tezuka angespornt, versucht sich Hiroshi bald selbst an längeren Werken und findet in dem zwielichtigen Osakaer Verlagshaus Hinomaru eine Plattform,die es ihm ermöglicht, seinen eigenen Stil herauszuarbeiten. Zwar beutet Hinomaru seine Zeichner gnadenlos aus, doch ermöglicht es Hiroshi und seinen Kollegen auch stilistische Experimente auf dem damals florierenden Markt der Kurzgeschichtenmagazine und Verleihbuchhandlungen mit der Herausgabe ihres stilbildenden Monatsmagazins Kage („Schatten“). Schon bald erhält er Angebote aus der florierenden Manga-Metropole Tokyo, wo er zusammen mit jungen Kollegen seine rebellische Definition von Manga, die keine Manga sind, entwickelt und den Gekiga-Workshop gründet. Doch zwischen den Verlagen in Osaka und Tokyo entbrennt bald ein Kleinkrieg um die aufstrebenden jungen Künstler, und Hiroshi findet sich gefangen zwischen künstlerischen Ambitionen und der Wirtschaftspolitik der verfeindeten Verlage.
Tatsächlich ist A Drifting Life alles und nichts davon. Tatsumi verweigert eine persönliche Entscheidung über die Bedeutung seiner Erzählung und lässt sie, dem Titel gemäß, frei zwischen den verschiedenen Bezugspunkten hin und her treiben und den Leser sich selbst einen Reim auf die Geschehnisse machen. Der Manga bietet dabei aber so unglaublich viel an, dass man bereits bei nur oberflächlichem Interesse an der Thematik (oder besser: den Thematiken) mehr als reichhaltig bedient wird. Die einzelnen Aspekte der Erzählung sind dabei oft ebenso unauffällig wie elegant verwoben. So ist Hiroshis Bruder Okimasa von Beginn an als zentrale Figur vertreten. Zuerst liefern sich beide Konkurrenzkämpfe um in Magazinen abgedruckte Beiträge. Als Hiroshi seinen von Krankheit geschwächten Bruder mit der Zeit hinter sich lässt, reagiert dieser zunehmend verletzend, zerreißt Hiroshis Originalseiten und hinterlässt einen tiefen Riss im Verhältnis der Brüder. Später folgt Okimasa seinem Bruder zum Verlag Hinomaru und wird ebenfalls ein wichtiger Vertreter des jungen Manga. In der zweiten Hälfte nutzt Tatsumi die aus dem Anekdotischen heraus behutsam aufgebaute, komplexe Beziehung der Brüder zwischen Freundschaft und Konkurrenz, um die beiden höchst aufschlussreiche Debatten über die Natur des Manga und Hiroshis Gekiga-Bestrebungen führen zu lassen.
Sicherlich hätten ausführliche Anmerkungen zu den unzähligen auftauchenden Personen den Rahmen des Buches endgültig gesprengt. Vielleicht wäre es da besser gewesen, Drawn & Quarterly hätte die Aufteilung der japanischen Ausgabe auf zwei Bände übernommen und dafür die Anhänge erweitert. Aber anscheinend wollte man A Drifting Life als Gesamtwerk betonen, um den Anschluss an die aktuellen Erfolge autobiografischer Comics nicht zu verlieren. Dies verschleiert allerdings nicht den durch und durch episodischen Erzählstil Tatsumis. Der Manga ist streng in Einzelkapitel von fast durchgängig 20 Seiten unterteilt. Jedes Kapitel eröffnet mit einer Kapitelillustration und endet mit einem extrem clever gesetzten Cliffhanger, der es dem Leser alles andere als einfach macht, das Buch vorzeitig aus der Hand zu legen. Diese bewusst episodische Erzählweise ist es dann auch, die schlussendlich aufzeigt, dass Tatsumis Begriff „Gekiga“ eben nicht mit Eisners „Graphic Novels“ gleichzusetzen ist, denn ob Gekiga oder Manga – die Grundbestimmung des japanischen Comics liegt in den unzähligen Wochen- und Monatsmagazinen und nicht im Buchmarkt. Zudem macht Tatsumi im Buch auch keinen Hehl um seine Einflüsse, die ihn letztendlich seinen Gekiga-Stil entwickeln ließen: Es war hauptsächlich das Kino, das ihm und seinen Kollegen als Inspirationsquelle für ihre dynamischen, an Filmmontagen angelehnten Erzähltechniken diente.
Auch der Schluss der eigentlichen Haupthandlung ist alles andere als beliebig gewählt. Tatsumi endet seine Erzählung mit zwei eng miteinander verknüpften Ereignissen: Zum einen die ab etwa 1960 verstärkt auftretenden Massendemonstrationen japanischer Studenten, ausgelöst durch das US-japanische Sicherheitsabkommen, sowie die Ankunft Sanpei Shiratos auf dem japanischen Manga-Markt. Dessen Fortsetzungsserie Ninja Bugeichô (Handbuch der Ninja-Kampfkünste – leider nie außerhalb Japans erschienen) mit ihrem unverhohlen revolutionären Gestus wurde rasch zur Kampfschrift der Protestbewegung. Der Samen für „gekiga“ war offensichtlich gesät. Tatsumis Bestrebungen, einen Manga-Markt zu erschließen, der nicht auf Magazine für Kinder oder Zeitungsstrips für Erwachsene eingeschränkt ist, sondern auch Jugendliche und junge Erwachsene mit intensiven und anspruchsvollen Geschichten unterhalten kann, hatte letztendlich zum Erfolg geführt. Selbst der große Tezuka ließ sich für seine späteren Arbeiten, etwa Adolf oder 
Zur Bedeutung seiner persönlichen Rolle innerhalb der Entwicklung des Manga hält sich Tatsumi freilich bescheiden bedeckt und überlässt es dem Leser, sein Lebenswerk einzuschätzen. Auch stilistisch hält sich Tatsumi vornehm zurück. Von den formalen Experimenten, die sein Frühwerk auszeichneten, ist 50 Jahre später nicht viel geblieben, wäre aber auch der Sache hier nicht dienlich gewesen, da sie sich zu sehr in den Vordergrund gedrängt und die Ereignisse nicht mehr für sich selbst hätten sprechen lassen. So wird der Panelrahmen ganz Manga-untypisch fast nie verlassen und die Character Designs geben sich ausgesprochen einfach und ohne unnötige Stilisierungen. Der Zeichenstil wird sicherlich eher Leser aus der Graphic-Novel-Ecke als eingefleischte Manga-Fans ansprechen. Tatsumi gibt sich hier ganz klar als Mangazeichner der alten Schule, der mit den abenteuerlichen Grafik-Exzessen beispielsweise eines Oh! Great oder den extrem idealisierten und realitätsfernen Figuren-Designs moderner Manga im Allgemeinen nicht sonderlich viel am Hut hat.
Das macht Tatsumis Zeichentechnik aber nicht weniger faszinierend. Wieder einmal ist es Tatsumis extrem detailverliebte Recherchearbeit, die den Handlungsraum von A Drifting Life auf so intensive Art zum Leben erweckt. Der Leser erhält während der Lektüre ein unbeschreiblich lebendiges Gefühl für die Lebensumstände der Manga-Schaffenden in der Nachkriegszeit, wie es ein aufwendiges Bio-Pic nicht besser hätte erwecken können. Historische Ereignisse und die zahlreichen im Comic erwähnten Filme werden von Tatsumi extrem realistisch nachgezeichnet und setzen gekonnt Akzente im sonst eher einfach gehaltenen Artwork. Die zahlreichen Figuren sind allesamt mit wenigen Strichen geführt und doch zu jeder Zeit problemlos wiedererkennbar.
Black Blizzard erzählt die Geschichte zweier Verbrecher auf der Flucht: eines brutalen, mehrfachen Mörder und eines sensiblen Pianisten, der einen Mann umgebracht haben soll. Beide flüchten in einen Schneesturm, mit Handschellen aneinander gekettet. Schnell ist ihnen klar: Sie können nur getrennt entkommen. Einer von ihnen muss seine Hand opfern …
Deadpool, ein 
Wie bereits erwähnt, hat man es als Neuleser mit diesem Heft nicht ganz leicht. Dass man nicht weiß, wer der Sidekick Bob ist und warum Deadpool Unmengen von gut gefüllten Schatzkisten besitzt, ist noch verschmerzbar. Schwerer wiegt da schon eine stilistische Besonderheit, die sich ohne Vorkenntnisse nicht recht erschließt: Deadpool neigt zum Selbstgespräch, das mit Hilfe von Textboxen vermittelt wird – allerdings gibt es zwei Sorten dieser Captions mit unterschiedlichen Farben und Schrifttypen. Deadpool scheint also zwei Seelen in seiner Brust zu haben – was dahintersteckt, erfährt man nicht. Dabei stünde auf insgesamt drei Redaktionsseiten genügend Platz zur Verfügung, um – gerade in einer Nummer-1-Ausgabe – neuen Lesern ein paar Basisinfos an die Hand zu geben. Stattdessen hat Redakteur Christian Endres einen Clown gefrühstückt und versucht, den schnoddrigen Comedy-Ton der Deadpool-Comics auch auf die übrigen Seiten zu retten, indem er die Texte praktisch als Ghostwriter der Hauptfigur schreibt. Albernheiten statt Informationen – die Lobo-Hefte des Dino-Verlags aus den 90ern lassen schön grüßen.
Das Interessanteste an der Sammlung von Kurz-Comics, die David Boller letztes Jahr im Eigenverlag vorgelegt hat, ist der Zeichner selbst. Die sechs Strips der Anthologie, zuvor in Bollers Webcomic-Portal 
Der kurze biographische Abriss hilft, die in Bakuba vertretenen Geschichten einzuordnen. „Bakuba“ selbst etwa, der frühste Strip des Bandes, entstand 1990. Wie viele Frühwerke fällt er eher experimentell aus. Zwar offenbart Boller hier bereits ein Gespür für ansprechendes Seitenlayout und sequentielles Erzählen, doch die Handlung – sofern überhaupt erkennbar – bleibt fast vollkommen auf der abstrakten Ebene und verzichtet weitgehend auf die Abbildung menschlicher Akteure. Es geht um einen Mythos, die handelnden Figuren haben etwas Fremdartiges und Bizarres.
Jene Entwicklung erreicht ihren Höhepunkt in „Fata Morgana“, einer Geschichte von 1998. Ein strikt konventioneller Seitenaufbau, konventionelle Panels auf konventionell weißem Hintergrund: Alles deutet auf den Einfluss der Kubert-Schule und der Marvel-Redaktion hin. Eine Geschichte will erzählt werden, für Spielerei bleibt keine Zeit. Auch die Inhalte der Kästchen legen wenig Wert auf Abstraktion – Figuren und Hintergründe werden detailreicher und realistischer dargestellt, die Linien sind solider, prosaischer als zuvor.
Gleich zwei davon drehen sich um weiße Touristinnen, die in Afrika exotische Abenteuer erleben. Das liest sich leider genauso abgeschmackt, wie es klingt: Kamelritte, Sanddünen und kitschige Beduinenromantik sind angesagt, Sandokan und Tausendundeine Nacht lassen grüßen. Afrika bleibt reine Dekoration. Drei weitere Strips befassen sich mit Mythen, von denen einer nicht einmal adaptiert, sondern gleich ganz selbst ausgedacht ist. Auch das unglückliche, ausnahmsweise nicht esoterisch oder eskapistisch motivierte „AIDS Highway“, in welchem sich Boller an der verheerenden Ausbreitung des HI-Virus auf dem afrikanischen Kontinent abarbeitet, bleibt wenig mehr als eine vage Parabel.