Der folgende Text erschien zunächst im gedruckten Comicgate-Magazin 6 (Thema: Erotik in Comics). Nun liegt der besprochene Comic auch auf Deutsch vor, er erschien beim Verlag Walde & Graf unter dem Titel Ich bezahle für Sex. Aus diesem Anlass stellen wir die Rezension nun auch online zur Verfügung.
Chester Brown lässt die Hosen runter – im wahrsten Sinne des Wortes. Sein „comic-strip memoir about being a john“ (so der Untertitel) ist das autobiographische Bekenntnis eines Comiczeichners, regelmäßiger Kunde von Prostituierten zu sein. Und zwar nicht von irgendeinem Comiczeichner! Bei uns ist der Kanadier zwar nicht sehr bekannt, trotzdem zählt er mit Werken wie Ed the Happy Clown, Fuck und Louis Riel zu den wichtigsten Vertetern jener Generation von Independent-Künstlern, zu denen zum Beispiel auch Daniel Clowes, Chris Ware oder Seth gehören. Das im Mai 2011 erschienene Buch über sein Leben als Freier wurde daher mit großer Spannung erwartet. Mit Recht: Paying For It ist nicht nur ein Blick in den sexuellen Alltag seines Protagonisten, sondern auch eine sehr ernsthafte Auseinandersetzung mit den Moralvorstellungen der Gesellschaft.
Eines ist der Comic ganz gewiss nicht: erotisch. Brown gestaltet seine Seiten betont nüchtern und spartanisch, hält sich an ein festes Raster von acht Panels pro Seite und ist stets bemüht, nie die Gesichter der verschiedenen Prostituierten zu zeigen. Die Erzählung beginnt im Jahr 1996, als sich seine Freundin von ihm trennt und er daraufhin zu der Erkenntnis gelangt, dass die klassische romantische Zweierbeziehung so gut wie nie funktioniert und praktisch immer zu Unglück, Streit und Missgunst führt. In Zukunft will Brown Liebe und Sex strikt trennen: Freunde und Familie liebt er im platonischen Sinne, die körperliche Liebe holt er sich auf dem Markt, auf dem sie gegen Geld angeboten wird. Und tatsächlich funktioniert diese Trennung für ihn sehr gut. Seine Besuche bei Prostituierten werden zur gewohnten Übung, und nach eigener Aussage ist er damit glücklicher als je zuvor.
Überaus ausführlich beschreibt Brown, wie der Alltag eines Freiers aussieht (unter den speziellen Gegebenheiten der kanadischen Gesetzgebung) und welche Gedanken vor, während und nach der Treffen in ihm vorgehen. Während Film, Fernsehen und Literatur die Prostitution meist entweder als verrucht-sinnliche, idealisierte Rotlichtwelt voller großartiger Sexgöttinnen oder als elenden Strich der Junkies und illegalen Einwanderer darstellen, lernen wir bei Brown ein ganz anderes Milieu kennen: ein überraschend normales, völlig unglamouröses, eigentlich ziemlich langweiliges Gewerbe, das auch nicht mehr oder weniger Tristesse verströmt als andere Dienstleistungsbranchen. Das ist mal witzig, mal verstörend, mal irritierend und mal fürchterlich traurig, vor allem aber ist es in all seiner Nüchternheit unheimlich gut erzählt. Der autobiographische Comic ist hier keine sentimentale Erinnerung an längst überwundene Peinlichkeiten der Jugend, sondern eine schonungslose Selbstentblößung, die den Leser in ihren Bann zieht und dazu zwingt, selbst Stellung zu beziehen.
Neben der Anbahnung und Durchführung der sexuellen Geschäftsbeziehungen sehen wir Chester Brown vor allem im Gespräch mit seinen Freunden und Kollegen, den ebenfalls nicht unbekannten kanadischen Zeichnern Joe Matt und Seth. Letzterer kommt im Anhang sogar noch selbst zu Wort, indem er ausgewählte Passagen aus seiner Sicht kommentiert. Überhaupt der Anhang: Auf 227 Comicseiten folgen weitere 50 Seiten mit Anmerkungen, in denen Brown seine spezielle Sicht der Dinge weiter vertieft, zum Beispiel indem er gängige Argumente, die gegen Prostitution sprechen, aufführt und zu entkräften versucht. Ob ihm dies gelingt, sei einmal dahingestellt. In seiner vehementen Ablehnung der „possessive monogamy“ und seinem Ideal von einer Welt, in der bezahlter Sex für alle eine Selbstverständlichkeit ist, macht Brown seine persönliche psychische Verfassung zur allgemeinen Norm. Man muss ihm hier nicht folgen, sondern kann es auch so sehen wie sein Freund Seth, der ihn wegen seiner sehr begrenzten emotionalen Bandbreite als „Roboter“ bezeichnet. Eine Szene, in der Chester und der bekennende Porno-Fan Joe Matt über romantische Liebe diskutieren, kommentiert Seth so: „Das ist so ähnlich, wie wenn zwei Blinde einen Sonnenuntergang malen“.
Egal, wie man zu den hier aufgeworfenen Themen steht: Paying For It ist wegen seiner ehrlich-direkten Offenheit und seinem ungewöhnlich sachlichen Umgang mit einem Tabuthema unbedingt lesenswert.
Wertung: 
Sowohl intimer Seelenstriptease als auch nüchterne Auseinandersetzung mit den Moralvorstellungen der Gesellschaft
Paying For It – a comic book memoir about being a john
Drawn & Quarterly, Mai 2011
Text und Zeichnungen: Chester Brown
272 Seiten, schwarz-weiß, Hardcover
Preis: 24,95 US-Dollar
ISBN: 9781770460485
Leseprobe (PDF)
DEUTSCHSPRACHIGE AUSGABE:
Ich bezahle für Sex – Aufzeichnungen eines Freiers
Walde + Graf, März 2012
Text und Zeichnungen: Chester Brown
336 Seiten, schwarz-weiß, Hardcover
Preis: 22,95 Euro
ISBN: 978-3-03774-045-3
Leseprobe
Abbildungen © Chester Brown / Drawn & Quarterly
Die erste Ausgabe von Winzling wurde bereits 1997 vom ersten Splitter-Verlag veröffentlicht. Finix hat sich jetzt dazu entschlossen, die damals abgebrochene Serie nicht wie gewohnt fortzuführen, sondern alle drei Alben von Beginn komplett im einheitlichen HC-Format und mit neuem Cover zu publizieren.
Das Bild, das die beiden Künstler für diese Reihe entworfen haben, ist ungewohnt. Erstaunlicherweise halten sich die beiden aber so weit es geht an die literarische Vorlage. Mowgli wird zwar nicht von den Wölfen direkt aufgezogen, aber vom Klan der Wölfe aufgenommen, Shir Khan ist ein einäugiger Bösewicht mit Tigermantel, Balu ein dicker, sympathischer Mann, Baghira eine schwarze (!) Frau, Kaa ein Scharfschütze mit grünem Hemd und züngelndem S-Sprachfehler. An diesem Punkten merkt man, dass Story und die Charakterentwürfe inhaltlich wie optisch in enger Anlehnung an Kiplings Werk und mit viel Liebe zum Detail entstanden sind.
Der neueste Comic in Splitters „Book-Format“ schwimmt einerseits ganz auf einer aktuellen Welle, kann aber andererseits, was mittlerweile schon sehr erstaunlich ist, dem Thema durchaus neue Aspekte abringen. Die Abkürzung „FVZA“ steht für die Federal Vampire and Zombie Agency, welche eine amerikanische Bundesbehörde darstellt, die es sich zur Aufgabe gemacht hat, Zombies und Vampire zu bekämpfen.
Glücklicherweise haben die Blutsauger hier nichts mit den unsäglichen Twilight-Geschichten zu tun, sondern sind wahre Monster, die eher an den klassischen Nosferatu-Mythos und an die Vertreter aus 30 Days of Night erinnern. Auf der grafischen Seite und strotzt die Story vor Spannung, Action und Blut. Da auch einiges an Gedärm zu sehen ist, ist der Band nur für volljährige Leser empfehlenswert. Extrem gelungen ist auch die Farbgebung, welche sogar Spiegelungen in Brillengläsern und Fensterscheiben funktionieren lässt.
Nachdem mich die Gesamtausgabe von 
Betelgeuze ist ein Ort, der sowohl karge Wüsten als auch dichte, unberührte Urwälder bereithält. Leo schafft es wirklich perfekt, wie schon bei Aldebaran, dem Planeten einen ganz eigenen Charakter zu verleihen. Und natürlich ist die blühende Flora und Fauna auch hier wieder prächtig in Szene gesetzt. Allein den seltsamen Iums widmet Leo eine vollkommen runde Konzeption, die die Anatomie, die kognitiven Fähigkeiten und die Verhaltensweisen beinhaltet. Diese Detailverliebtheit merkt man bei jeder Bewegung der niedlichen, aber irgendwie auch gespenstischen Tiere.
Braucht man wirklich eine neue Westernserie? Nicht nur im Film, sondern auch im Comicbereich ist das Genre schließlich eines der beliebtesten und auch eines der ältesten. Schon der erste ernst zu nehmende Spielfilm (wenn man eine Dramaturgie voraussetzt), The Great Train Robbery, war schließlich ein Western. Da muss man in einer neuen Serie eigentlich schon einen ganz neuen Tonfall finden, um sich an die Spitze des Trecks setzen zu können. Die neue Serie Ronson Inc. bemüht sich auf eigenwillige Art und Weise um eben diesen Tonfall.
Irgendwie ist der aus den Niederlanden stammende Comic stellenweise ein recht merkwürdiger Zwitter. Der sehr glatte, flächige Stil der Zeichnungen von Minck Oosterveer erinnert eher an klassische Serien oder Zeitungscomics. Auch die optische Gestaltung der Figuren wirkt eher altmodisch. Dem gegenüber stehen aber die Erotik und vor allem die Brutalität, die durchaus modern wirken. Dadurch entsteht ein gewisser Zynismus, da die doch recht fröhliche, an Funnies angelehnte Art der Figurengestaltung (gerade der Sekretärin) die Gewalt der Geschichte schon fast nebensächlich erscheinen lässt.
60 Jahre hatte Dagobert Ducks riesiger Geldspeicher bei Erscheinen dieses Bands Ende 2011 auf dem Buckel. Grund genug, dem Gebäude, das das gesammelte Vermögen der reichsten Ente der Welt beherbergt, einen Jubiläums-Band zu kredenzen. Natürlich setzt die Ehapa Comic Collection bei der Zusammenstellung der thematisch passenden Geschichten voll und ganz auf die beiden Zugpferde Carl Barks und Don Rosa; alle Stories in „Milliardenraub in Entenhausen“ stammen abwechselnd von den beiden Künstlern.
Nach zehn Jahren liegt Yonen Buzz nun endlich vollständig vor. Die Serie startete seinerzeit noch als Prussian Blue bei Carlsen im frisch ins Leben gerufenen Shōjo-Magazin Daisuki. Doch 2004 folgte Christina Plaka ihrem Redakteur Joachim Kaps, der Geschäftsführer von Tokyopop Deutschland wurde, einem neu gegründeten Ableger des japanischen Tokyopop-Verlags. Dort führte sie die Serie unter dem Titel Yonen Buzz weiter. Der erste Band wurde, um einige Illustrationen erweitert, als Yonen Buzz 0 neu aufgelegt; die Serie liegt also mittlerweile vollständig bei Tokyopop vor. Der vor kurzem erschienene Band 5 ist damit eigentlich schon der sechste. Dazu kommt noch das 2007 erschienene Artbook Yonen Buzz United, das auch weitere Kurzgeschichten rund um die Figuren erhält. Yonen Buzz ist also nicht nur die bis dato langlebigste, sondern auch umfangreichste deutsche Mangaserie (gefolgt von Gothic Sports, Life’s Tree Guardian und Personal Paradise mit jeweils fünf Bänden). 
Das sind natürlich alles noch keine vergleichbaren Verhältnisse zu japanischen Mangaserien. Dennoch lohnt es, hier einmal genauer hinzuschauen, denn die Serie umspannt nicht nur zehn Jahre Entstehungsgeschichte, sondern auch fast die vollständige Geschichte der Manga-Eigenproduktionen in Deutschland. Plaka war die erste deutsche Zeichnerin, die nach Robert Labs von Carlsen für den expandierenden Mangamarkt Anfang des Jahrtausends verpflichtet wurde. Zu jener Zeit zahlten sich viele mutige Innovationen von Carlsen Manga aus – das Veröffentlichen von Lizenztiteln in japanischer Leserichtung, die ersten Boys-Love-Titel, Manga-Anthologien nach japanischem Vorbild wie die Banzai oder eben die bis heute bestehende Daisuki. Und so konnte Carlsen auch mit den Eigenproduktionen blutjunger heimischer Nachwuchs-Mangaka (Labs war bei Erstveröffentlichung 18, Plaka 19) einen überraschenden Boom einfahren.
Doch die übereifrige Newcomer-Förderung schadete der deutschen Zeichnerszene auf lange Sicht eher, als dass sie ihr nutzte. Zu mangelhaft war meist die Qualität, zu oberflächlich die notwendige redaktionelle Betreuung. Die viel zu jungen Zeichner wurden oftmals ins kalte Wasser geworfen statt behutsam betreut. Viele Resultate überzeugten dann weder Zeichner noch Verlage oder gar die Leser. Auflagen und Image der deutschen Eigenpublikationen sanken, die Newcomer-Projekte wurden eines nach dem anderen eingestellt. Noch bevor die ebenso junge wie produktive Szene deutschsprachiger Nachwuchs-Mangaka ihren kreativen Zenit erreichen konnte (der Altersdurchschnitt der publizierten Autoren liegt noch immer bei etwa Mitte 20), droht der Szene bereits die Publikationskernschmelze. Die Kleinverlage und von Zeichnern selbst geführten Dōjinshi-Projekte können zwar einen Teil des Veröffentlichungsdrangs heranwachsender Autoren auffangen, aber selbstverständlich niemanden über den Hobby-Status hinaus versorgen.
Plaka selbst ging Anfang 2010 nach Japan zum Studium an der auf Manga spezialisierten Kyōto Seika University. Der fünfte Band lag zu diesem Zeitpunkt, so leakte es rasch, bereits druckfertig bei Tokyopop vor. Dass die Veröffentlichung dann noch fast zwei Jahre auf sich warten ließ, kann man in diesem Kontext jetzt interpretieren, wie man mag. Fakt ist, dass Plaka nach dem vierten Band kurz zu Carlsens Daisuki zurückwechselte und dort das überaus unterhaltsame Fantasy-Abenteuer Herrscher aller Welten veröffentlichte, bevor sie das Ende ihrer Kultserie in Angriff nahm. Insgesamt entstand jedenfalls zwischen den letzten beiden Bänden ein gut dreijähriges Publikationsloch, was es dem Abschlussband natürlich ungemein schwer macht, jetzt noch ein Publikum zu finden.
Allerdings liest sich Yonen Buzz bereits von Beginn an äußerst flott und unterhaltsam. Erzählt wird die Geschichte der jungen Rockband Prussian Blue (später in Plastic Chew umbenannt, um die Namensgleichheit mit einer real existierenden amerikanischen Nazi-Girlband zu umgehen), bestehend aus dem halbdeutschen Gitarristen und Sänger Jun, Bassist Atsushi, Drummer Keigo und der zweiten Sängerin Sayuri, die für Juns Jugendfreund Masanori, der die Band überraschend verlassen hat, einspringt. Jun und Masanori teilen eine dunkle Vergangenheit, die die Autorin allerdings erst im letzten Band entgültig aufdeckt. Hauptschwerpunkt der Erzählung liegt von Beginn an auf dem steinigen Weg der Band zum Plattenvertrag, welcher erschwert wird durch deren radikal-punkige und kompromisslose Grundeinstellung, die den Erfolg mindestens ebenso scheut, wie sie ihn sucht. Auf der Schneise zwischen Selbstverwirklichung und den Anforderungen der kommerziellen Plattenindustrie entspinnt sich dann auch das mitreißende Drama von Yonen Buzz, welches die Serien von anderen Musik-Manga abhebt.
Doch über alle Krisen hinweg schweißt die Jungs ihre Freundschaft und der Traum von ihrer eigenen Band zusammen, und sie wagen einen Neuanfang als The Yonen Buzz. Zudem schneit ihnen der Zufall die moralische Unterstützung von zwei rein weiblich besetzten europäischen Punk-Bands ins Haus: den Deathwar Doctors aus England und dem deutschen Duo Bach vs. Linke. Und auch die mittlerweile zum Star aufgestiegene Sayuri kann Jun nicht vergessen …
Die zweite große Besonderheit von Yonen Buzz sind die unglaublich intensiv dargestellten Musikszenen. Plaka trumpft bei den Band-Auftritten mit äußerst realistisch portraitierten Instrumenten und höchst spannenden Perspektiven und Seitenkompositionen auf. Oft hat man das Gefühl, die Musik von Yonen Buzz tatsächlich zu hören, während man den Manga liest, was auch an den großartigen, von Plaka selbst verfassten (englischen) Songtexten liegt. Die Luft scheint beim Lesen zu vibrieren; Gänsehaut ist vorprogrammiert. Die intensive Beziehung, die die Autorin selbst zu dem Sound hat, der Vorbild für den Manga steht, vermag sie in Yonen Buzz auf ganz wunderbare Weise zum Ausdruck zu bringen.
Unübersehbar erleben die Piraten nicht nur auf den realen Meeren eine Renaissance, sondern auch im Comic. Beschränken sie sich auf der großen Leinwand auf die Fluch der Karibik-Filme, so kamen im Comicbereich allein in den letzten Monaten gleich mehrere neue Serien auf den deutschen Markt, welche die Segel setzen. 
Die neuen Aspekte, welche die Serie sucht, um einen erweiterten Blick auf das Genre zu ermöglichen, finden Autor Eric Corbeyran und Zeichner Brice Bingono wohl im Fantasybereich. Denn im Laufe der Geschichte tauchen immer mehr dieser Aspekte auf. Das mag Puristen abschrecken, ist aber in diesem Auftaktband noch relativ dezent ausgearbeitet.